DIMANCHE 6 OCTOBRE 2019 , ENCAN BÉNÉFICE, Hôtel Alt (de Griffintown) ,pour: La Fondation Émergence . SI VOUS EFFECTUEZ DES PRÉ-OFFRES:notez qu'en cas d'égalité lors d'une offre maximale avec un client en salle (ex-æquo) ,le logiciel adjuge automatiquement le lot a l'enchérisseur sur place dans notre salle des ventes ,puisqu'il comprends et considère que le client physiquement sur place est le dernier enchérisseur en temps réel. par La Maison des Encans de Montréal

Originaire de Montréal, Mario Adornetto est « un artiste depuis toujours ». De lettreur à la main, sculpteur d’enseignes en bois, graphiste illustrateur à concepteur architectural puis artiste-peintre, le parcours de l’artiste est à la fois captivant et inspirant. Il fait de l’abstraction sur l’intensité, la force et la chaleur des regards animaliers. Il jongle avec du figuratif, de l’abstrait, des couleurs, des reliefs. Artiste depuis toujours, ses douze premières années de métier sur le marché du travail furent lettreur à la main, sculpteur d’enseignes sur bois et graphiste illustrateur. À l’âge de 27 ans il a ouvert un atelier d’architecture qui se spécialise et se démarque encore aujourd’hui dans la conception et le design de maisons unifamiliales d’exceptions. Il exerce cet art depuis 1995 et encore aujourd’hui passionnément. Il réalise des œuvres uniques et seulement avec spatules et couteaux sur grands canevas. Ses sujets sont animaliers en explosions de couleurs avec reliefs et émotions, abstraits et figuratifs en même temps, durs et tendres à la fois.  

YAMRUS, Frank

Untitled (Fall) - de la série Motion, 1997

Format du papier 51 cm x 61 cm

Format de la photo 43.1 cm x 43.1 cm

Edition de 2 sur 15 signée et numérotée à l'endos

Une importante partie du travail photographique de Frank Yamrus s’échafaude autour du corps masculin. Partageant son temps entre San-Francisco, Provincetown et New-York, celui-ci a élu de saisir les moments de sa propre intimité, soit par le biais d’autoportraits, soit en photographiant les différents hommes avec qui il a partager des bribes de sa vie. Autre thème récurrent dans son œuvre : l’eau, comme élément qui masque et rend flou ou pour sa qualité réfléchissante et captatrice de lumière.

Représenté par la galerie Clamp Art, à New-York, qui se spécialise dans la photographie, son œuvre a été présentée tant au Victoria and Albert Museum de Londres qu’au Rencontres photographiques d’Arles. Il a évidemment été le sujet de nombreux expositions solos et de groupe à San-Francisco, sur la Côte est des Etats-Unis et à Mexico.

Alloucherie, Jocelyne

Sans titre, 2009

Impression jet d’encre sur papier.
55.3 x 37 cm.
Signée, datée au dos.

Don de la Galerie Roger Bellemare Galerie Christian Lambert.

Artiste de réputation internationale, les œuvres de Jocelyne Alloucherie imposent à la personne qui les regarde un travail de décodage. À l’intersection de la photographie, de la sculpture et de l’architecture, son travail crée des paysages psychiques à partir de contrastes saisissants; zones d’ombre et blocs de lumière; structures matérielles et bi-dimensionnalité photographique; discours de la mémoire et mutisme de l’objet. En résulte un travail qui, glacé en apparence, ouvre sur une lecture forcément sensuelle, quasi charnelle. Au final, Jocelyne Alloucherie élabore une œuvre qui nous confronte à l’absence et à la solitude… Récipiendaire de nombreuses et importantes distinctions, prix Paul-Émile Borduas (2002), prix Jean-Paul Riopelle, prix Martin Lynch Stanton, Officier de l’Ordre du Canada, ses œuvres se retrouvent dans de nombreuses collections muséales, corporatives et privées, que ce soit ici, à New-York, au Japon ou en Europe.

PIEN, Ed

Strange Girl

Encre et flashe sur papier

28 cm x 43.1 cm

Né à Taipei et ayant immigré en Ontario, à l’âge de onze ans, Ed Pien est un artiste multidisciplinaire (dessin, photographie, vidéo) qui s’inspire des mythes asiatiques et des contes occidentaux pour créer des univers inquiétants et fantastiques. Ses thèmes sont ceux de la violence morale et physique omniprésente, du monde de l’enfance, de l’héritage culturel, de la sexualité et du corps, souvent hybride; formes bizarres, enchevêtrement de membres, inquiétants animaux d’aspect antropomorphique qui lorgnent pourtant du côté de la naïveté de l’enfance.

Artiste au rayonnement international, les œuvres de Pien ont été exposées à travers le monde, de Berlin à Shangaï, de Sidney à Moscou. Au Canada, son travail figure dans nombre de collections permanentes de musées, notamment à Montréal, Ottawa et Toronto. Il faisait récemment l’objet d’une importante exposition solo au 1700 La Poste, à Montréal.

BELLEFLEUR, Léon

Lance-flamme

Sérigraphie effectuée par Bonnie Baxter 29/100

62 x 78 cm

Don de la succession Léon Bellefleur

Un des grands artistes québécois, Léon Bellefleur (1910 -2007) a été diplômé de l’École Normale Jacques-Cartier et de la fameuse École des Beaux-Arts de Montréal. Il a participé à de nombreux ateliers de gravure et de lithographie à Montréal et à Paris. Plusieurs prix et bourses lui ont été accordées dont le Jessie Dow (1951), le prix Paul-Émile Borduas (1977), le prix Philippe Hébert (1986) et un Doctorat Honoris Causa de l’Université Concordia. En 1948 il a signé le manifeste Prisme d’Yeux. Ses œuvres font partie des collections permanentes de la Galerie Nationale du Canada, du Musée des Beaux-Arts de Montréal, du Musée d’Art contemporain de Montréal, du Musée du Bas St-Laurent, de l’Université de Montréal, du Musée de Tel-Aviv ainsi que de plusieurs importantes corporations dont C.I.L. et les des principales banques canadiennes. Il représente le Canada au Musée Guggenheim de New-York avec Paul-Émile Borduas et Jean-Paul Riopelle. Une monographie est également offerte par sa succession.

Récipiendaire de plusieurs prix, sa notoriété d’artiste peintre internationale monte en flèche. véroniKaH participe à de nombreuses expositions en solo ou collectives à Toronto, New York, Paris, Londres, Edinbourg, Los Angeles, Séoul et dans plusieurs autres villes à travers le monde. En 2011 véroniKaH figure dans le prestigieux Livre d’art «International Contemporary Master». L’année suivante elle remporte le prix Spécial du Jury au 29e Gala International des Arts Visuels Son et Lumière CAPSQ ainsi que le Prix Coup de cœur du Jury lors d’une exposition internationale en Roumanie. La médaille d’or en abstraction lui ai remise par CAPSQ en 2014. En 2016 Art Takes Manhattan sélectionne deux de ses œuvres lors de leur concours annuel.

En plus de retrouver ses œuvres dans de nombreuses collections privées et publiques, véroniKaH De nombreux articles sur elle sont écrits dans des revues telle que : SOFA DECO Magazine, CHEZ SOI Magazine, VÉRO Magazine, Hors-Série Magazine, Magazine du Musée des Beaux-Arts de Montréal, Coup de Pouce et SORTIR Vivre en Montérégie. De 2011 à 2017, véroniKaH passe plusieurs entrevues à la radio et la télévision (Radio Canada, TVRS, MATV. CTV, CIBL et Canal Vie).

Ce tirage inédit de 50 exemplaires exécuté par Robert Bellemare sur papier Arches, à partir de 18 soies, rend toute justice au Tondo de 2006, magnifiquement intitulé Trente ans plus tard, mon amour !

Le jeu du cadavre exquis, créé par les surréalistes, consiste à faire composer une phrase ou un dessin par deux personnes ou plus, de manière à ce qu'aucune d'elles ne puisse voir ce que les autres ont fait. Son nom insolite provient de la première phrase obtenue de cette manière: Le cadavre-exquis-boira-le-vin-nouveau.

Ce n’est pas un accident fortuit ou le fruit du hasard qui explique l’unité des œuvres exécutées en cadavres exquis par le tandem Janine Carreau et Pierre Gauvreau, mais probablement la confluence de leurs idées et de leur travail pictural. Les formes, les couleurs, les motifs ou les idées de chacun se rencontrent sur la toile sans perdre l’identité propre à chacun des peintres.

François Simard est né en 1980 à Urbana en Illinois et a passé la majeure partie de sa vie à Québec, où il a terminé en 2005 une maîtrise en arts visuels à l’Université Laval. Son travail de peinture a été présenté en Angleterre et au Québec dans plusieurs centres d’artistes tels que l’Œil de Poisson, Regart, Clark et B-312, au Musée d’art contemporain de Baie St-Paul, à la Galerie des Arst visuels de l’Université Laval. Chez LarocheJoncas et Lilian Rodriguez notamment. Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et de la Collection Prêt d’oeuvres d’art du Musée National des Beaux-Arts de Québec. Il a aussi été récipiendaire de nombreuses bourses, dont la Bourse Première Ovation de la Ville de Québec pour un stage de perfectionnement en France en 2013, la Bourse en recherche et création du Conseil des arts et des lettres du Québec en 2008 et 2011 et en 2005 Bourse René-Richard décernée par l’Université Laval soulignant une production lors de la maîtrise en arts visuels s’ayant démarquée. , François Simard vit et travaille à Québec

Dominic Besner (1965) est un artiste connu internationalement ses expositions-événements comme en 2004 « La démesure des convoités », mettant en scène des objets plus grands que nature, en 2006 la création de «La mécanique des villes», une œuvre de 30 mètres composée de panneaux de peinture et de vitraux, créée pour le siège social du Cirque du Soleil. Et bien sûr « Mora », créée en 2010-2011, exposition à plus grand déploiement (36 œuvres monumentales) jamais vu pour un seul artiste au Canada.

En 2010, l’exposition « Hundred Words » présentait 30 tableaux cyclopéens, nés de 100 mots (« sans mot ») choisis par l’artiste pour explorer la langue et des images. La même année, il a participé à l’exposition collective Western China International Art Biennale à Yinchuan (Chine) et à la prestigieuse Exposition universelle de Shanghai. Toujours en Chine en 2013 il présente une exposition solo intitulée «Immortalis », au Musée de Suzhou. A Toronto la même année, il dévoile 25 œuvres récentes lors de l’imposante exposition « Humani Ex Machina » à la galerie Thompson Landry. Les expositions solos au Canada, aux États-Unis, au Mexique, au Maroc et en Chine ne se comptent plus et ses œuvres se retrouvent dans plusieurs collections corporatives telles que le Musée de Suzhou, Le Cirque du Soleil, Loto Québec, Proaction Internationale, Les Hotels Marriott Courtyard.

Née en France, Marie Josèphe Vallée est diplômée de l’Écolde des Beaux Arts de Lille. Établie au Québec depuis 1980, elle exerce son art dans les domaines du dessin, de la gravure, du bas-relief, des collages et de la peinture. Elle a fait plus d’une douzaine d’expositions en solo au Québec, en Uruguay et au Vénézuela et elle a participé à des expositions collectives à travers le monde, dont en France, Espagne, Brésil, Hollande, Italie, Roumanie, Mexique et en Chine. Ses œuvres se retrouvent dans plusieurs collections d’envergure partout au monde et elle a écrit plusieurs publications sur la création artistique et a été l’objet de plus d’une centaine d’articles de presse dans des journaux spécialisés. Elle est médaillée d’or de la 36e exposition internationale de Roumanie, d’argent au 27e Concours-gala international des Arts visuels son et lumière de Montréal et récipiendaire du prix Lorenzo il Magnifico de la 7e édition de la Biennale de Florence.

Né en Belgique en 1949, Charles Binamé est un réalisateur, scénariste et acteur maintes fois primé qui a signé autant d’œuvres personnelles –Eldorado, Le cœur au poing-, que de films et de séries grand public -Blanche, Un homme et son péché, Maurice Richard-. Sa curiosité et son goût du risque pour les chemins de traverse l’ont par ailleurs conduit à porter son regard vers d’autres parcours d’artistes avec des documentaires sur de grandes personnalités de la peinture québécoise Borduas, Pierre Gauvreau, Gilles Carle.

Son parcours prodigieux a été souligné en 2017 par une importante rétrospective à la Cinémathèque québécoise de Montréal. Récipiendaire de nombreux prix dont le prix Gémeaux, FIFA d’or de Cannes et le prix Génie, il s’intéresse également à l’art pictural. Passionné d’art et lui-même collectionneur, son expérience en peinture transparaît dans ses films. Dans ses toiles, il crée des ambiances particulières grâce à différentes palettes de couleurs, des sujets oniriques et un rendu soigné.

Né à Black Lake le 3 septembre 1929, Armand Vaillancourt a commencé sa fulgurante carrière par des études à l’École des Beaux-arts de Montréal. Il s’est rapidement distingué par son originalité et sa rébellion en 1954 dès sa première création L’arbre de la rue Durocher, Montréal maintenant conservé au Musée des Beaux-arts de Québec. Depuis, une cinquantaine d’œuvres monumentales et audacieuses effectuées à des endroits inusités, tel le Monument contre la guerre à Chicoutimi, le Palais de Justice de Québec, El Clamor à Santo Domingo, une sculpture-fontaine pour l’Embarcadero Plaza de San Francisco et plus récemment La force ouvrière à Longueuil en 2016 témoignent l’importance du sculpteur en plus des milliers d’œuvres picturales qu’il a réalisées.

Né à Trois-Rivières en 1953, Pierre Blanchette a étudié à l’Université du Québec à Montréal. Au Québec, ses oeuvres ont été présentées à la Galerie Gilles Corbeil, à la Galerie Jolliet, à la Galerie Michel Tétreault, à la Galerie Éric Devlin, à la Galerie Simon Blais, à la Galerie Madeleine Lacerte de Québec et Lacerte art contemporain de Montréal. Plusieurs expositions individuelles furent présentées à Paris, à la Galerie Regards, au Centre culturel canadien, à la Délégation du Québec ainsi qu’à la Galerie Véronique Smagghe. Pierre Blanchette a réalisé au cours des dernières années plusieurs oeuvres monumentales d’art public, notamment pour l’Université Concordia et l’Hôpital général juif de Montréal. Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections tant privées que publiques; au Musée des beaux-arts de Montréal, au Musée national des beaux-arts du Québec, au Musée d’art contemporain de Montréal, à la Banque d’oeuvre d’art du Conseil des arts du Canada. Pierre Blanchette est lauréat de la Bourse de carrière Jean-Paul-Riopelle, édition 2010-2011, du Conseil des arts et des lettres du Québec. Il vit et travaille à Montréal.

Crédit photo : Pierre Blanchette

Née en 1936 à Lausanne en Suisse, Francine Simonin vit et travaille à Montréal depuis 1968. Au cours des quarante dernières années, elle a présenté plus de deux cents expositions individuelles, principalement en Suisse et au Canada mais également en France, aux États-Unis et en Espagne. Au cours de sa prestigieuse carrière, elle a remporté de nombreux prix et distinctions, notamment, le Prix de la première Biennale suisse de gravure à Genève (1968), le Prix Loto-Québec à Montréal (1981), le Prix Irène Reymond pour l’ensemble de son œuvre à Lausanne (1986), le Prix de l’estampe à la Biennale du dessin, de l’estampe et du papier à Alma ( 1993 ), ainsi que le premier prix de la 16e Internationale de l’estampe miniature de Cadaques en Espagne (1996). En octobre 2004, le Musée national des beaux-arts du Québec et la Fondation Monique et Robert Parizeau lui remettaient un prix soulignant sa contribution exceptionnelle à l’histoire de l’estampe au Québec. On retrouve les œuvres de Francine Simonin dans les collections du Musée d’art contemporain de Montréal, Musée national des beaux-arts de Québec, Musée de Genève, Bibliothèque nationale du Canada (Ottawa), Banque d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada (Ottawa) ainsi que plusieurs collections privées à travers le monde.

Ginette Brassard est née à Roberval. Elle est sélectionnée pour participer à des ateliers de dessin du Musée du Québec. Par la suite elle entreprend des études en arts graphiques et en gravure chez Graff et poursuit des études en peinture chinoise et calligraphie japonaise. Elle commence à peindre en 1980 et son travail est reconnu et expose plusieurs fois à Montréal et participe au Mois du Québec en France en 1986 et participe à un concours de gravure en 1988 en Espagne et par la suite faite une exposition en solo au Zaire. En tout elle a exposé ses œuvres en solo à plus de sept reprises et elle a apporté sa contribution à plus d’une vingtaine d’expositions collectives.

L’artiste et photographe Paul Émile Rioux vit à Montréal, au Canada. Pionnier en art numérique, il s’intéresse très tôt aux nouvelles technologies et met à contribution son expertise en photographie pour développer des matrices virtuelles d’où il tire ses images. Ses œuvres proposent des univers à la frontière de l’abstraction et du figuratif. Ces projections dynamisent le regard, l’invitant à déterminer si ce qu’il voit appartient au réel ou à l’imaginaire. Il a exposé soit en solo soit en groupe au célèbre Art Basel de Miami, à New York, Toronto, Paris, Londres, Istanbul, Puerto Vallarta et Copenhague. Il est récipiendaire de nombreux prix et mentions dont le The Lumen Prize de Londres en 2013. Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques dont : Epson Canada et Parts Now, Toronto, Bell Canada, Montreal, et en privé en France, aux États-Unis, au Mexique, en Allemagne et en Suisse.

Un 5 à 7 sera offert par l’artiste à son atelier à la personne qui fera l’acquisition de l’oeuvre.

Steve Orton a eu la piqûre du dessin dès l’enfance, a rempli des cahiers entiers d’images de crânes et de personnages colorés comme ado, et a tenu sa première exposition d’art à l’âge de 41 ans.

La fascination qu’il voue depuis toujours aux figures géométriques, aux perspectives à deux points de fuite et aux crânes confère à l’ensemble de son œuvre un aspect captivant et actuel.
L’oeuvre de Steve Orton puise son inspiration dans les films et livres de science fiction, les musiques électronique et techno, et la culture entourant les robots. Il nous propose un univers peuplé de créatures technologiques et douées de conscience qui habitent des cités désolées, où d’immenses volumes géométriques s’ouvrent, se déplient et se stabilisent dans l’espace inaccessible. Sa cinquième exposition, BONES AND MAGNETARS, fut une collaboration entreprise en mars 2019 avec son neveu, Demetrios Orton-Hatzis. Lors du vernissage bien couru, les deux artistes ont partagé leurs plus récentes créations avec un public réceptif et acquéreur.

Peintre montréalaise, l’œuvre de Sophie Carrier représente la pureté de la nature, un monde foisonnant, gai et un brin naïf, loin d’un certain pessimisme morbide perçu dans la culture, les médias. Cet univers se construit autour du thème du jardin, de la forêt.

Le processus s’élabore directement sur la toile, la majeure partie du temps, le tableau posé à plat sur le sol. Je procède en oscillation constante entre le hasard et les choix. A partir d’un élément clé (un oiseau, une fleur) le tableau se construit par couches d’accidents provoqués et d’éléments contrôlés, mêlant dessins, collage, éléments peints de façon réaliste, flaques de polymère, grands gestes avec de gros pinceaux, recouvrements, transparence, petits motifs, dans une composition où le vide côtoie le plein. Sophie Carrier est représentée par la Galerie MX de Montréal.

Native de Trois-Rivières, Gisèle Normandin détient 3 baccalauréats relatifs aux arts de l’Université du Québec à Montréal. Son regard critique sur la condition humaine est un commentaire social qui se reflète dans son art. Récipiendaire d’une bourse du Conseil des arts du Canada, en 1991 et elle a été l’initiatrice d’une corporation d’artistes nommée Atelier Muse Art. Artiste engagée, elle a participé à plus d’une vingtaine expositions individuelles au Québec et autant d’expositions collectives. On retrouve ses œuvres notamment dans la Collection Loto Québec et de la ville de Verdun et de LaSalle.

Jacques Clément est bachelier en arts visuels à l’Université du Québec à Montréal (UQAM), il a étudié à Concordia University et à l’université de Montréal et il a également étudié le dessin avec Peter Krausz et la peinture avec Yves Gaucher.  Il fut professeur au centre des arts Saidye Bronfman de Montréal pendant 10 ans. Depuis 1982, il a participé à plus d’une cinquantaine expositions en solo dans des galeries, des centres d’artistes, des centres culturels régionaux partout au Canada et en France et à plus d’une trentaine d’expositions de groupe. Plusieurs mentions spéciales lui ont été accordées pour œuvres au pastel, dont le Prix d’Excellence au Salon international de pastel de France. Il est représenté dans plusieurs galeries à travers le Canada, aux Etats-Unis et en France.

Née en France, Patricia Copeland est établie au Québec depuis l’école primaire.

Sur le plan professionnel, elle fera carrière dans les médias, pour différents journaux et magazines, stations de radios et la télévision.  En 2010, elle se découvre une passion pour la peinture qui lui permet d’explorer son côté créatif et de laisser libre cours à son imagination. De nature curieuse et passionnée, elle s’inspire de ses périples autour du monde pour explorer de nouveaux concepts. Ses observations de l’architecture, de la nature et des gens prendront ensuite forme, dans une explosion de couleur.

Tout débute par un jet de peinture, qu’elle laisse couler sur la toile, recouverte d’un fond neutre. De ce simple geste, l’histoire prend tout son sens, grâce aux textures et aux nuances qu’elle y ajoutent spontanément. Sa technique réside dans des mouvements forts ou fluides exprimant l’émotion et l’énergie du moment. Les points et les lignes sillonnant certaines de ses toiles représentent le chemin parcouru et qui reste à faire, comme autant de frontières à traverser ou de passages de la vie. Copeland est une artiste en constante évolution, dont les œuvres font maintenant partie de nombreuses collections privées, publiées et internationales.

Elle est représentée par la Galerie d’art Beauchamp

Janine Carreau est née en 1948 à Granby. Elle a étudié la photographie avec John Max et le cinéma avec Charles Gagnon. Pigiste, elle travaille en cinéma et en photographie dans plusieurs boîtes de production importantes (Potterton Poductions, ONF, Radio-Québec, Radio-Canada). Janine Carreau est connue depuis les années s80 alors qu’elle travaillait son journal visuel qui s’enrichissait d’une oeuvre chaque jour. Avec son conjoint, l’artiste Pierre Gauvreau, dont elle partage la conception automatiste, elle a réalisé pendant de nombreuses années des «cadavres exquis» qui regorgent de soleil et suggèrent le bien-être grâce à la vitalité des couleurs. Une alchimie évidente naît de leur collaboration. De Janine Carreau et de son oeuvre picturale, nous retenons sa grande liberté de création qui l’a conduite à manier énormément de techniques différentes, tels que la peinture, le collage, la photographie, l’audiovisuel… Sa carrière l’a amenée à exposer dans les galeries de grandes villes internationales, à Montréal, New York et Paris.

Né en 1979 à Notre-Dame-des-Laurentides, Québec.

Son travail numérique à partir de la photographie nocturne à rapidement suscité de l’intérêt. Issu d’un parcours en cinéma, Pascal Normand se consacre depuis une dizaine d’années à la création et à la promotion de son œuvre picturale. Activement représentée en galerie et en boutique, l’artiste assure la circulation de ses œuvres et multiplie les occasions de rencontre avec le public. D’ailleurs, il prend part à des symposiums ainsi qu’à des manifestations artistiques comme le New Art Festival d’Ottawa, le Toronto Outdoor Art Fair (TAOF) ou encore le Salon des métiers d’art de Montréal.

En 2018, sa création a fait figure parmi plusieurs expositions collectives et elle a fait l’objet d’une exposition solo à la bibliothèque Marc-Favreau dans le quartier Rosemont. Également, elle remporte le Prix du maire au symposium Couleurs Urbaines de Granby et le Prix du Jury CCLGBTQ lors du festival Montréal en Arts. Le talent et l’œuvre de Normand ont été reconnus lors de plusieurs expositions et par de nombreux textes dans les journaux et magazines.

Artiste, illustrateur et peintre né en 1970. Michel T. Desroches a débuté sa carrière en tant que peintre autodidacte. Il a beaucoup peint en direct, pratiquant alors essentiellement l'improvisation abstraite. Animé par la volonté de valider sa pratique par des études, il a obtenu un bac en arts visuels et médiatiques à l'UQAM en 2007. Prolifique et discipliné, il travaille tous les jours, motivé par une recherche esthétique soutenue. Il alterne œuvres figuratives et abstraites.  Il a exposé ses œuvres au prestigieux Salon des Beaux-Arts du Louvre de Paris et individuellement ou collectivement notamment à New-York, Palm Springs, Los Angeles, Miami, Shanghai et en Espagne. Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques. Au Québec il est représenté par la Galerie MX.

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Bachelière en Arts Plastiques de l’UQAM, Renée duRocher est détentrice de plusieurs prix et mentions, dont un diplôme honorifique du CEGEP de Granby Haute-Yamaska, une mention au Prix Reconnaissance des diplômés et diplômées de l’UQAM et plus récemment le titre d’Ambassadrice de la culture de la ville de Granby pour son implication et le rayonnement de son travail. En 1996, elle a fait l’objet d’une rétrospective au Musée Marc-Aurèle Fortin. Ses œuvres se retrouvent aujourd’hui dans des collections muséales publiques et privées, tant au Québec qu’aux États-Unis. Citons en exemple, le Gouvernement du Québec, le Centre d’arts Orford, la Ville de Granby, le Musée des Beaux-arts de Sherbrooke, le Musée Pierre-Boucher de Trois-Rivières de même que Pratt & Whitney de Toronto, la Collection Desjardins, la Banque Royale ainsi que certains collectionneurs américains. Reconnu par ses pairs, le travail de Renée duRocher laisse aussi son empreinte dans l’histoire de l’art du Québec. Son travail étant cité en exemple par des monographies spécialisées, il fait aussi l’objet d’articles commentés et analysés par des historiens de l’art, dont les textes sont publiés dans plusieurs périodiques consacrés aux arts visuels.

Sarah Nind est née à Kuala Belait (Brunei) et est à la fois citoyenne britannique et canadienne. Elle vit présentement à Toronto et enseigne au département de dessin de l’université OCAD. Ses œuvres s’appuient sur la photographie et y incorporent peinture, technologie numérique et installation pour traiter de mémoire, de déplacement et de dichotomie, ce qui crée des images à la fois réelles et fictives, évocatrices et émotionnelles. Elle est récipiendaire de nombreux prix prestigieux internationaux.

Les œuvres de Nind ont été exposées ici et à l’étranger dans toutes grandes villes, notamment au Museum on the Seam (Jérusalem, Israël), au Yuanfen New Media Art Space (Beijing, Chine), au Musée des beaux-arts du Canada et au Musée canadien de la photographie contemporaine (Ottawa). Les œuvres de Sarah Nind font partie de nombreuses collections publiques, y compris celles du Musée des beaux-arts du Canada (Ottawa), de la Tom Thomson Memorial Gallery (Owen Sound), de la Prague House of Photography et du Chazen Museum of Art (Wisconsin).  Sarah Nind est représentée par la Galerie Youn de Montréal.

Reconnu sur la scène internationale, Marc-André Jacques Fortier est né à Montréal en 1961. Peintre et sculpteur, artiste autodidacte il a collaboré à la fabrication de la murale du Pavillon de Colombie-Britannique ainsi que celle du Pavillon du Canada à l'exposition Universelle de Vancouver en 1986. Il a remporté la « Palme de Bronze » et a exposé son travail à la Biennale de Paris, au Grand Palais des Champs-Élysées, Paris, France, en 1993. Au cours de sa carrière, M. Fortier a créé plusieurs œuvres dites monumentales exposées notamment les « deux snobs » de la Place d’armes de Montréal, au quartier DIX30 de Brossard une fontaine mesurant plus de 3.5 mètres et ses célèbres sculptures du Canadien de Montréal (Maurice Richard, Guy Lafleur, Jean Béliveau et Howie Morenz) exposées près du Centre Bell. Artiste satyrique, pour lui le vêtement incarne une seconde peau, révélant plus qu’il ne dissumule. Cette chemise-cravate Monopoly représente le succès, le pouvoir et l’argent dans le hasard de la vie mais aussi le doute et le questionnement. Ses œuvres, peintures tant que sculptures font partie de plusieurs collections privées, centres d’arts et musées, au Canada, en France et aux États-Unis.

Bernard Morisset est né à Québec le 25 novembre 1924, diplômé de l’École du meuble de Montréal en 1946, il obtient la médaille d’excellence du Lieutenant-Gouverneur et une mention au «Concours de peinture» de la province de Québec.

Élève et ami de Paul-Émile Borduas, confrère de Jean-Paul Riopelle et Marcel Barbeau, il participe, de 1944 à 1946, à neuf expositions regroupant plusieurs jeunes peintres de l’époque qui deviendront les « Automatistes ».

Par la suite, il interrompt ses activités de peintre pour se consacrer entièrement à sa carrière de décorateur et designer d’intérieur et à la création de meubles auxquels l’avaient préparé ses études. Ce n’est qu’en 1972 qu’il se remet à peindre sérieusement.

En 1984, attiré par la lumière de la Côte d’Azur, il retrouve, à Gulf Juan, son ami Riopelle avec qui il partage la passion de la peinture. Morisset a été membre de la Contemporary Arts Society, de 1944 à 1946 et de la Société des artistes professionnels du Québec de 1976 jusqu’à sa dissolution. En 2006 un hommage lui a été rendu au Château Dufresne regroupant plus de 65 tableaux.

Francine Migner est née à Montréal et vit à Brossard. Détentrice d'un baccalauréat en Arts et Lettres de l'Université de Montréal, elle possède à son actif plus d'une centaine d'expositions dont dix en solo. Elle est membre du Regroupement des artistes en arts visuels du Québec. Soulignons sa présence à la Biennale Internationale d'art miniature (1996 et 1998), à la Maison des arts de Laval (1995), à la Maison du Québec à Toronto (1994), à l'événement du 350e anniversaire de Montréal, au Musée des beaux-arts de Montréal (1992) et au Musée Marc-Aurèle Fortin (1991). On retrouve ses oeuvres dans des collections publiques et privées notamment la Collection Loto Québec, Fédération des caisses Desjardins et Pratt & Whitney ainsi qu'au Japon, en France, aux États-Unis, en Angleterre et en Argentine.

Surnommé le « peintre né » par Paul-Émile Borduas, ce signataire du manifeste « Refus global » est également, artiste peintre, auteur, scénariste, réalisateur de télévision qui ont marqué l’enfance de plusieurs générations, auteur des téléromans Le temps d’une paix, Cormoran et Le volcan tranquille et producteur de cinéma. Dès le début des années 1940, son œuvre picturale est associée aux peintres automatistes. Paul-Émile Borduas remarque ses peintures, et l’invite à se joindre au groupe d’artistes se réunissant dans son atelier. En 1990, il reçoit un Grand Prix de l’Académie canadienne du cinéma et de la télévision pour l’ensemble de son œuvre télévisuel et en 1995, il reçoit le Prix Louis-Philippe-Hébert pour l’ensemble de son œuvre peint. Son oeuvre peinte a été présentée dans plus de cent cinquante expositions et est présente dans la plupart des grands musées canadiens.

André Martin mène de façon simultanée une carrière d’artiste visuel et d’écrivain. Ces projets d’expositions sont de plus en plus liés à son travail d’écriture. On retrouve ses œuvres au Musée d’art contemporain de Montréal, dans la collection Prêt d’œuvres du Musée du Québec, au Conseil des arts du Canada et dans la collection d’Hydro-Québec.  Il a présenté son travail lors de nombreuses expositions individuelles et collectives à travers le Canada, l’Allemagne, la France, l’Italie et l’Écosse. Mentionnons entre autres sa participation à la Foire d’art de Cologne, en 2006 ; Macula lutea, le dernier visage, présentée la même année dans le cadre de l’exposition En français sous l’image, Espace Électra, Paris; La morgue, la galerie, dans le cadre du Symposium international de Baie-Saint-Paul en 2005; In Güstrow traf Ich,von Runge bis Barlach - Goethe une Meckelburg, présentée en 2004 à la Ernst Barlach Foundation, Güstrow, Allemagne ; Mes modèles - leurs portraits, à la Galerie Circa en 2002 ; Darlinghurst Heroes - pages australes, à la Maison européenne de la photographie, Paris, 2001 et à la Vancouver Art Gallery, 1998 ; Mes modèles - autoportrait, tenue au Musée d’art contemporain de Montréal, 2000 ; ainsi que La sphère de l’intime, présentée dans le cadre du Printemps à Cahors en 1998.

Yvon Goulet exprime la vie gaie de Montréal sur des panneaux recyclés. Yvon Goulet est un artiste gay québécois qui vit et travaille à Montréal. Il est diplômé en art de l’Université du Québec en Outaouais. Depuis 1986, il expose régulièrement dans de nombreux pays dont le Canada, la France, la Corée, la Bulgarie, l’Autriche, le Japon, la Belgique, la Bosnie Herzegovine et l’Espagne. La particularité d’Yvon Goulet est qu’il peint sur des panneaux en polyester qu’on utilise au Québec pendant les campagnes électorales. Il arrive ainsi souvent qu’on puisse reconnaître en filigrane dans ses tableaux des mots en français qui proviennent des slogans des divers partis politiques. Yvon Goulet est souvent présenté comme un « historien visuel ». Il trouve son inspiration dans le Village de Montréal et illustre les événements culturels et festifs de la communauté gaie. Il exprime le quotidien et met en scène le corps masculin. Dans ses œuvres, il représente les symboles, les uniformes et les fantasmes qui sont propres à la culture gaie. Il rend ainsi accessibles à tous des personnes, des situations et un imaginaire en général peu connus du grand public.

Artiste autodidacte québécois Luc Guérard a développé un style très personnel et teinté d’un certain primitivisme moderne. Dans sa production picturale et dans ses sculptures, Guérard utilise aussi des éléments recyclés. Ses œuvres mettent en valeur un surréalisme extravagant, parfois naïf, mais surtout énigmatique. Qu’elles mettent en scènes des personnages fantaisistes ou qu’elles soient davantage abstraites, elles nous font voyager dans des univers oniriques. Guérard expose à de nombreuses occasions depuis plus de quarante ans, notamment au Musée McCord et au Musée de Charlevoix. Plusieurs de ses œuvres font partie de la collection du Musée du Bas-Saint-Laurent.

Née à Trois-Rivières, Suzelle Levasseur a suivi des cours en arts plastiques et a obtenu en 1976 un baccalauréat spécialisé en arts plastiques de l’UQAM. Conférencière invitée et récipiendaire de plusieurs bourses de 1977 à 1996 du Conseil des arts et des lettres du Québec, elle a également obtenu une bourse de ressourcement du Studio du Québec à Paris. Lauréate de plusieurs prix on lui a notamment décerné le prix Katch 76 de l’Hadassah Art Exhibition de Kingston et celui de la Biennale du Québec. Plusieurs galeries et centres culturels ont bénéficié de sa participation lors d’expositions collectives dont la Cité Internationale des arts de Paris, la Grunwald Gallery, la Galerie 306 de Toronto, les Maisons de la culture du Québec et le Centre Saïdye-Bronfman. On lui a consacré nombre d’expositions solo, notamment au Centre culturel canadien de Paris, à la galerie Beaudinet-Hubbard de New-York, à la Cité internationale des arts de Paris et à plusieurs reprises partout au Québec.  En 2010, l'artiste a été nommée expert régional en arts visuels par le ministère de la Culture et des Communications du Québec dans le cadre de la Politique d'intégration des arts à l'architecture et à l'environnement. Ses œuvres font partie de plusieurs collections pupliques dont celle de Desjardins, d’Art Canada, de la Communauté urbaine de Montréal, de Pétro Canada, du Conseil des arts du Canada, du Musée du Québec ainsi que du Musée d’art contemporain de Montréal. Une grande exposition vient de lui être consacrée en mars dernier à l’Université de Sherbrooke.

Figure majeure du XXe siècle, son influence sur l'art de la seconde partie de ce siècle est considérable par l'utilisation de la simplification, de la stylisation, de la synthèse et de la couleur comme seul sujet de la peinture. Chef du mouvement fauvisme, il travaille par variations et répétitions d'un même thème ou motif. Les premières études peuvent être très poussées, figuratives puis, de proche en proche, les formes se font plus stylisées, abstraites.

L'oeuvre de Matisse d'une modernité sans cesse renouvelée et pourtant d'esprit classique, d'un lyrisme serein, rare en un siècle de guerres et de révoltes, figure avec celle de Picasso comme une des plus influentes du XXe siècle. On retrouve des éléments similaires : les mêmes formes d'algues qui semblent se changer en oiseaux (voire en poissons). Ces différentes œuvres ont été inspirées par un voyage à Tahiti, où Matisse se rend en 1930 la fin de sa vie, il exploitera ces formes ambiguës. Les fonds, invariablement unis, nous plongent dans l'immensité du ciel, ou peut-être de la mer. La forêt de signes qu'il dispose dans ses compositions se situe entre l'animal et le végétal. Ces images mouvantes placent sa peinture à part, entre la figuration et l'abstraction.

Matisse a adopté le médiévalisme, motif de résistance culturelle dans la France occupée, comme symbole d’unité nationale à travers son appropriation des poèmes de Charles de Valois, duc d'Orléans (1394–1465) écrit pour son véritable amour. Il y voit un parallèle entre la situation critique du poète emprisonné dans la Tour de Londres et la sienne en France pendant la Deuxième guerre mondiale. Entre 1914 et 1954, il créé 139 carnets illustrés. De cette période, la série inspirée par les poèmes du poète français Charles fut sans doute la plus personnelle. L'artiste a écrit à la main et a ensuite enluminé ces poèmes. Les lithographies ont été exécutées sous sa direction par les ateliers Mourlot frères qui ont achevé d'imprimer l'ouvrage le 24 février 1950, pour les éditions de la revue Verve de Paris. Il a été tiré sur vélin spécialement fabriqué par les papeteries d'Arches 1200 exemplaires numérotés et 30 exemplaires hors commerce. Les exemplaires sont signés par l'artiste.

Cette exquise lithographie couleur a la particularité d’être imprimée recto/verso. Un certificat d’authenticité a été émis par la Galerie Park West du Michigan, États-Unis à la donatrice lors de l’achat de l’œuvre en 2007 et sera remis à l’acquéreur de l’œuvre.

Holly King est une photographe montréalaise dont le travail s’axe sur la tension qui existe entre le réel et le factice. Elle présente des paysages plausibles bien qu’imaginés. Il s’agit en effet de paysages entièrement fabriqués, élaborés à partir d’éléments épars. Ici, l’eau est fait à partir de cellophane, un arbre est une simple brindille magnifiée, ces rochers ne sont que de simples boules de papier chiffonné. Et pourtant, la beauté et la fascination opèrent. Ce sont de glorieux paysages que nous regardons et nous pouvons nous laisser bercer par ces représentations magiques autant que de choisir de répertorier ces différents éléments miniatures qui composent la photo. Les œuvres de Holly King sont présentes dans les collections du MBAM, du MAC, de la Beaverbrook Gallery, du Canadian Museum of Contemporary Art. Son travail se retrouve également dans les collections de plusieurs grandes corporations (Air Canada, le Cirque du Soleil).

Originaire de Rimouski, Françoise Lavoie se démarque en travaillant à renouveler l’esptampe et l’œuvre imprimée. Détentrice d’un maîtrise en arts visuels de l’UQÀM, boursière du ministère de la Culture et des Communications du Québec, elle est également récipiendaire du premier prix en estampe décerné par Loto-Québec dans le cadre de la Biennale du dessin, de l’estampe et du papier du Québec. Ses œuvres exposées tant au Québec, qu’à l’étranger font partie des collections du Musée du Québec, du Prêt d’œuvre d’art du Québec, de la Banque d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada, de la Société Loto-Québec, des Bibliothèques nationales du Québec et du Canada. Le titre de cette œuvre interroge l’existence même : Estelle, est-elle?

Les couleurs, le geste, la profondeur, la lumière et encore les couleurs : les toiles de Jean-Gabriel Lambert explosent et ravissent. Peintre autodidacte, mu par son désir irrépressible de créer, il trouve sa véritable passion dans le dessin et la peinture. Pendant trois ans, il se met sérieusement au travail et prend quelques cours techniques. Il s’initie aux grands formats à l’huile, puis à l’acrylique. Ses nombreux voyages au Mexique, devenu une deuxième patrie, lui procure une grande part de son inspiration. Jean-Gabriel retrouve sans cesse, dans son atelier montréalais, la même énergie qui l’interpelle vers son rituel. Que ce soit à partir des couleurs du Mexique ou d’une émotion en lien avec les amitiés ou les amours, chaque tableau est la concrétisation d’une idée simple. C’est parfois à travers des séries qu’il construit son œuvre, avec rigueur et grande liberté, tel ses Pierres précieuses / Piedras preciosas, véritables bijoux colorés et finement ciselés. La beauté de l’art de Jean-Gabriel Lambert réside entre autre dans la multitude des couches de lecture existantes dans ses tableaux. Il y a l’histoire de l’auteur et toutes les histoires de chaque spectateur. Il est représenté depuis l’an 2000 par plusieurs galeries à Vancouver, Montréal et dans différentes villes du Mexique. Il vend en moyenne soixante toiles par année à des collectionneurs aux Etats-Unis, au Mexique et au Canada.

Artiste internationalement reconnu, Mathieu Laca est né à Laval, au Québec en 1982. À l’âge de 17 ans, une première série de ses œuvres est exposée en contexte professionnel, soit à la Maison des Arts de Laval. En 2002, il reçoit le Prix du conseil de la culture de la ville de Laval et est sélectionné par Marc Séguin pour prendre part à l’exposition collective Génération Montréal où est réunie la crème de la jeune peinture montréalaise. Laca obtient un baccalauréat en arts visuels de l’Université Concordia en 2005. Il a présenté son travail en solo à la galerie L'espace contemporain à Québec (2010), à la galerie Patrick John Mills à Ottawa (2011) et à la galerie Modulum à Montréal (2012 et 2013). Il est présentement représenté par la galerie Pryor Fine Art à Atlanta, la galerie MX à Montréal, la galerie Factory à Québec, la galerie Art'chipel à Lévis ainsi que la galerie L'Espace Blanc à Bromont. Il a exposé dans les galeries les plus prestigieuses et ses oeuvres font partie de collections publiques et privées au Canada, aux États-Unis, en Norvège, en Espagne, en Allemagne et en Israël. Il vit et travaille à Laval.

Alain Lapierre est un artiste peintre beauceron qui a commencé à peindre en 1992. Bien qu'il préconise l'acrylique sur toile, il travaille aussi avec l'aquarelle, le pastel, le collage et la photographie. C’est l’œuvre de l’artiste Francis Bacon qui a allumé l’étincelle créatrice chez Lapierre lors de ses études collégiales. Depuis, il n’a cessé de peindre et de créer. À l’instar de Bacon, les personnages de Lapierre se distorsionnent et nous offrent un visage transfiguré. Avec ses oeuvres, il cherche à créer une rencontre entre le dessin figuratif et l'application aléatoire de la couleur pour illustrer le côté paradoxal de la situation humaine, oscillant entre hasard et volonté, conscience et matière. Il a participé à de nombreuses expositions collectives au Canada et au Japon. De plus, il a organisé des expositions solos en Beauce et à Québec.