Encan d'Arts et de Rêves,samedi 15 août,19h (450) 531-5707, Les offres d'achat en ligne débuteront le 1ier août 2020. NOTE A TOUS NOS NOUVEAUX CLIENTS: AFIN DE PROTÉGER LA CONFIDENTIALITÉ DE VOS OFFRES D'ACHAT, CELLES-CI RESTERONT SECRÈTES JUSQU'AU MOMENT DE LA MISE EN LIGNE DU LOT, soit samedi soir le 15 août dès 19h. by La Maison des Encans de Montréal

Nom de l'artiste : Brigitte Dahan Titre de l'œuvre : « La face cachée # 15 » Matériaux : Argile et bois Dimensions : 45 cm x 45 cm x 15 cm

www.brigittedahan.com

Établie à Bromont, Brigitte Dahan détient un baccalauréat en arts plastiques de l’UQAM. Après avoir exploré la peinture et la photographie, elle recherche une connexion plus immédiate avec la matière, ce qu’elle trouve dans le travail de l’argile. C’est de manière singulière qu’elle explore ce médium à travers une production de sculptures, d’installations et d’œuvres murales tridimensionnelles.

Elle participe à des expositions en solo ou en groupe, dans des galeries, musées et maisons de la culture. Brigitte Dahan est lauréate de plusieurs prix, dont le prix Sculpture Desjardins en 2019. Elle a été finaliste pour l’édition 2019 du prix François Houdé. Ses œuvres font partie de l’espace public et de plusieurs collections privées au Canada et aux États-Unis.

À travers une production de sculptures et d’installations d’argile, Brigitte Dahan crée un univers où se superposent préoccupations actuelles et existentielles. Son travail est chargé d’une symbolique forte, révélée par un travail poussé de la matière qui traduit le passage du temps, la transformation et la mutation. L’être humain y est traité en tant qu’individu et comme faisant partie d’un tout beaucoup plus grand que lui, soit l’espèce humaine et la nature. Son travail actuel questionne l’image et l’identité à l’ère des médias sociaux.

Nom de l'artiste : François Xavier Chamberland Titre de l'œuvre : « Noblesse oblige » Matériaux : Métal Dimensions : 90 cm x 44 cm

C'est dans la tradition des 'patenteux' et des 'gosseux' à l'esprit vif et inventif que s'inscrit cet artiste aux origines gaspésiennes qui a déposé ses valises en 1996 dans la région de Cowansville, après un passage à Toronto où il a étudié à la Woolfitt School of Contemporary Art. Fidèle à sa démarche exploratrice ne se limitant ni à un style ni à un médium, il nous propose des assemblages inusités à partir d'objets récupérés et judicieusement placés là où ils seront le plus bavards. Sa maîtrise de l'art de l'assemblage nous infuse d'une histoire propre à chaque œuvre, véritable captation d'une réflexion sur notre époque.

Fort d'un fertile parcours en arts visuels qu'il poursuit depuis une cinquantaine d'années en parallèle avec une carrière dans le domaine des communications comme animateur, producteur et réalisateur, M. Chamberland a illustré de nombreux recueils de poésie et manié les médiums de la peinture, de la sculpture et du dessin. Nous avons affaire ici à un artiste polyvalent mut par une curiosité sans borne et un désir d'explorer qui, au cœur de l'octantaine, n'a rien perdu de sa verve et de sa passion. Il nous raconte avec éloquence à travers ses œuvres des histoires qui, parfois, nous font rire, mais qui certainement nous font réfléchir à ce qui se trame dans l'air du temps

Nom de l'artiste : Sylvie Lacerte Titre de l'œuvre : « Échouerie » Matériaux : Impression au jet d'encre sur papier coton marouflé sur aluminium (Dybond) Dimensions : 56 cm x 41,6 cm

D’abord formée en arts visuels, Sylvie Lacerte est historienne et théoricienne de l’art et des musées. Elle est conservatrice de l’art québécois et canadien au Musée des beaux-arts de Montréal. Sylvie Lacerte est aussi directrice artistique du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul. Son mandat de trois ans, qui devait se terminer à l’été 2020, prendra fin à la fin août 2021, le symposium ayant été reporté à l’année prochaine en raison de la pandémie.

Sylvie Lacerte a organisé plusieurs expositions en art contemporain à titre de commissaire indépendante. Elle a contribué de nombreux textes dans des catalogues d’expositions, des anthologies et des revues d’art et prononcé des conférences sur ses recherches au Québec, au Canada et à l'étranger. Pour le MBAM, elle prépare actuellement une exposition sur les travaux récents du peintre montréalais d’origine haïtienne, Manuel Mathieu. 

Sylvie Lacerte a exposé ses Travaux anciens/Travaux récents à la Galerie Arts Plus de Sutton, en novembre 2018.

Nom de l'artiste : Marie-Claude Lord Titre de l'œuvre : Sans titre Matériaux : acrylique et huile sur panneau de bois Dimensions : 30 po x 30 po www.marieclaudelord.online

Depuis 1993, je suis artiste en arts visuels. Par la peinture, j’explore l’effet du paysage sur le sentiment de bien-être d’une société.

Ma recherche tente de répondre à la question du lien entre les espaces verts et le sentiment d’appartenance des habitants, par une représentation du paysage d’un point de vue affectif.

Je m’inspire des petits villages des Cantons de l’Est, dont la générosité de lignes et de formes semble être le reflet des liens tissés serrés au sein de ces communautés. 

La couleur émerge de la même attention dont a besoin l’humanité, dans un contexte où l’individu, en perte de points de repères relationnels, cherche à se sentir lié et protégé.

Études

-       2016 MA Éducation des Arts (non complétée), Université du Québec à Montréal et Université Concordia, Montréal. Sujet de mémoire : L’Art pour encourager le sentiment d’appartenance et la compassion au primaire et au secondaire.

-       2011 Baccalauréat Fine Arts (Honours Studio with distinction), Université Bishop’s, Sherbrooke. 

-       1991 Diplôme d’études collégiales en arts visuels, Collège de Sherbrooke, Sherbrooke. 

Nom de l'artiste : Marie-Claude Lord Titre de l'œuvre : « Let me fly » (2011) Matériaux : Fusain et aquarelle sur papier Mylar Dimensions : 40 po x 33 po (encadré)
www.marieclaudelord.online

Depuis 1993, je suis artiste en arts visuels. Par la peinture, j’explore l’effet du paysage sur le sentiment de bien-être d’une société.

Ma recherche tente de répondre à la question du lien entre les espaces verts et le sentiment d’appartenance des habitants, par une représentation du paysage d’un point de vue affectif.

Je m’inspire des petits villages des Cantons de l’Est, dont la générosité de lignes et de formes semble être le reflet des liens tissés serrés au sein de ces communautés. 

La couleur émerge de la même attention dont a besoin l’humanité, dans un contexte où l’individu, en perte de points de repères relationnels, cherche à se sentir lié et protégé.

Études

-       2016 MA Éducation des Arts (non complétée), Université du Québec à Montréal et Université Concordia, Montréal. Sujet de mémoire : L’Art pour encourager le sentiment d’appartenance et la compassion au primaire et au secondaire.

-       2011 Baccalauréat Fine Arts (Honours Studio with distinction), Université Bishop’s, Sherbrooke. 

-       1991 Diplôme d’études collégiales en arts visuels, Collège de Sherbrooke, Sherbrooke. 

Nom de l'artiste : Brigite Normandin Titre de l'œuvre : « 456 ovocytes » Matériaux : Dessin technique mixte sur toile Dimensions : 19,5 po x 19,5 po
www.galerieartplus.blogspot.com

En franchissant le seuil de l’atelier de Brigite Normandin, on pénètre dans un univers d’objets trouvés, de vieux livres et de collections hétéroclites. En explorant son œuvre, on réalise à quel point toutes ces trouvailles lui fournissent une foisonnante source d’inspiration.

Par le dessin, l’assemblage, la peinture (et souvent la couture), Brigite Normandin tient à exprimer ses idées et ses engagements face à notre époque et à notre société. Ses images, souvent troublantes, témoignent de cette préoccupation, tout en distillant  une essence poétique. Elle croit fermement qu’une lumière parvient toujours à se glisser dans l’état le plus sombre de l’humanité. En peignant l’obscurité, elle y introduit invariablement une lueur d’espoir qui éclaire et laisse entrevoir une franche beauté.

On discerne dans son œuvre deux influences distinctes, presque opposées : celle des enluminures détaillées du Moyen Âge, par la précision de son dessin, puis celle du surréalisme, à travers ses choix de compositions singulières.

Née à Saint-Bruno-de-Montarville, elle vit et travaille dans les Cantons de l’Est depuis 1990. Elle compte à son actif plusieurs expositions (solos, duos, groupes) ainsi que plusieurs prix d’honneur et d’excellence.

En 2014, elle et son conjoint font l’acquisition d’une ancienne église, à Sutton, où ils fondent la Galerie Art Plus. Copropriétaire et directrice de la galerie, Brigite Normandin voit à la programmation et à la diffusion des diverses expositions qu’elle y accueille. L’église abrite également son atelier et devient ainsi un véritable laboratoire pour cette artiste qui se considère comme une chercheuse indéfectible, vouée à l’inépuisable richesse de l’imaginaire et de l’expérimentation.

Nom de l'artiste : Brigite Normandin Titre de l'œuvre : « Complexe (Tinder) » Matériaux : Dessin sur Mylar posé sur panneau de bois (assemblage, encadré) Dimensions : 48 po x 6 po
www.galerieartplus.blogspot.com

En franchissant le seuil de l’atelier de Brigite Normandin, on pénètre dans un univers d’objets trouvés, de vieux livres et de collections hétéroclites. En explorant son œuvre, on réalise à quel point toutes ces trouvailles lui fournissent une foisonnante source d’inspiration.

Par le dessin, l’assemblage, la peinture (et souvent la couture), Brigite Normandin tient à exprimer ses idées et ses engagements face à notre époque et à notre société. Ses images, souvent troublantes, témoignent de cette préoccupation, tout en distillant  une essence poétique. Elle croit fermement qu’une lumière parvient toujours à se glisser dans l’état le plus sombre de l’humanité. En peignant l’obscurité, elle y introduit invariablement une lueur d’espoir qui éclaire et laisse entrevoir une franche beauté.

On discerne dans son œuvre deux influences distinctes, presque opposées : celle des enluminures détaillées du Moyen Âge, par la précision de son dessin, puis celle du surréalisme, à travers ses choix de compositions singulières.

Née à Saint-Bruno-de-Montarville, elle vit et travaille dans les Cantons de l’Est depuis 1990. Elle compte à son actif plusieurs expositions (solos, duos, groupes) ainsi que plusieurs prix d’honneur et d’excellence.

En 2014, elle et son conjoint font l’acquisition d’une ancienne église, à Sutton, où ils fondent la Galerie Art Plus. Copropriétaire et directrice de la galerie, Brigite Normandin voit à la programmation et à la diffusion des diverses expositions qu’elle y accueille. L’église abrite également son atelier et devient ainsi un véritable laboratoire pour cette artiste qui se considère comme une chercheuse indéfectible, vouée à l’inépuisable richesse de l’imaginaire et de l’expérimentation.

Nom de l'artiste : Ewa Scheer Titre de l'œuvre : "Carbon-based Forms # 1" Matériaux : Mixed media on canvas Dimensions : 30 po x 30 po
www.ewascheer.com

L'œuvre d'Ewa Scheer comprend des dessins au crayon graphite, des dessins avec des fragments photographiques (dessins hybrides), des œuvres de techniques mixtes, des peintures, de la photographie et des œuvres conceptuelles d'art éphémère, qu'elle nomme des météographes ou des peintures sur glace. Outre ses études en beaux-arts (maîtrise en beaux-arts à l'Université de Regina), elle a étudié la philosophie et la psychologie en Pologne. En 2011 et 2019, ses portraits ont été finalistes du Prix Kingston du Portrait Canadien. Ses peintures sur glace ont fait l'objet d'un reportage télévisé allemand en 2013. La même année, elles ont été présentées sous forme de projections, accompagnées de la musique pour piano du compositeur québécois Christian Girard. Ce concert a été présenté au Conservatoire de musique du Québec, à Montréal. Son travail a été exposé au Canada, aux États-Unis et en Europe. Après avoir vécu en Europe et en Afrique au cours des 20 dernières années, elle a élu domicile à Montréal. Elle habite maintenant à Sutton.

Nom de l'artiste : Mado St Cyr Titre de l'œuvre : « Tournesols » Matériaux : Acrylique sur toile Dimensions : 61 cm x 61 cm

https://artdepotsutton.com/

En 2017, Mado St Cyr fonde, avec Maurice Ferland, la Galerie ART DÉPÔT, à Sutton. En 2019, ils ont fermé la galerie pour se concentrer sur la présentation et la vente de leurs œuvres sur leur site internet ou directement à leurs ateliers.

Mado St Cyr a présenté ses peintures à la Galerie Art Dépôt de Sutton (2017-2019) et, en 2017, à la galerie Arts Sutton, au Collectif de Noël. La même année, elle a aussi présenté ses œuvres au  collectif « Les rebelles », à la Galerie Art Plus.

Nom de l'artiste : Graham Cantieni (1938-) Titre de l'œuvre : « Parergon 8 » Matériaux : Huile sur toile Dimensions : 104 po x 67 po

Cantieni détient une maîtrise ès arts (histoire de l'art) de l'Université Concordia et a été professeur d'arts plastiques à l'Université du Québec à Trois-Rivières (1989 à 2003). Tout en accumulant diverses expériences dans les domaines de l'enseignement et de l'administration (directeur de la Galerie d'art de l'Université de Sherbrooke, 1976-1983), il a été président fondateur du Regroupement des artistes des Cantons de l'Est (1973), fondateur et directeur de la revue Cahiers des arts visuels au Québec (1979) et fondateur de la revue 10-5155-20 art contemporain (1982). Il expose régulièrement au Canada, dans des galeries publiques et privées, ainsi qu’à l’étranger. En 1984, il établit son atelier en France, où il reste quatre ans. Il a aussi séjourné en Italie (1974) et en Chine (1995).

Au début des années 1990, la peinture de Cantieni se construit par la juxtaposition et la superposition de toiles libres, suspendues sans châssis et, pour les oeuvres sur papier, par collage. Peu à peu, des liens avec la peinture chinoise s'établissent. Dans le cycle Painted Desert, le procédé même de la création des oeuvres évoque les grands événements cataclysmiques où eau, soleil et vent ont forgé par destruction et bouleversements cataclysmiques des paysages désertiques sublimes. Se situant dans la famille gestuelle et expressive de la peinture, le travail de Cantieni privilégie les rapports entre la matière, la gestuelle, la spontanéité et la répétition. Son travail se rapproche de celui des peintres du mouvement Supports/Surfaces.

On retrouve ses oeuvres dans plus de 30 institutions au Canada.

Nom de l'artiste : Bruno Tenti Titre de l'œuvre : « Lueur # 30 » Matériaux : Acrylique, plomb, papier, bois Dimension : 41 cm x 41 cm

Bruno Tenti est membre du  RAAV  (Regroupement des artistes en arts visuels). Il vit et travaille à Montréal. Il possède un baccalauréat en arts plastiques (peinture) et un permis d’enseignement des arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal (1970-1975).

Ma recherche picturale invite à la réflexion sur les moments et les temps qui se superposent dans nos vies. J’ai exposé au Québec, en France, au Japon et à San Francisco. Mes œuvres font partie de collections privées et publiques, dont celle de Loto-Québec.

Nom de l'artiste : Katherine Godbout Titre de l'œuvre : « Printemps hâtif » Matériaux : Acrylique sur toile Dimensions : 24 po x 30 po
www.katherinegodbout.com

Je suis née en 1967 à Montréal, à la frontière d’Outremont et du Mile-End. À l'époque, le Québec vivait de grands bouleversements sociaux et culturels.  Mes parents s’étant rencontrés à l’École des Beaux-Arts de Montréal, c’est dire que j’ai évolué parmi de jeunes créateurs. Je suis allée au CÉGEP St-Laurent en arts plastique, mais ma pratique de la peinture s’est faite principalement de façon autodidacte.

Ma première exposition fut un collectif à la galerie Motivation V, à Montréal, en 1983. Puis, en 1987, j’ai fait ma première exposition solo Aux Joyeux naufragés. Depuis les années 1990, j’ai participé à des encans bénéfices et des séances de peintures en direct, et j’ai fait plusieurs expositions solos et collectives. On pouvait retrouver mes œuvres, entre autres, à la galerie Danièle Lambert, sur la rue Bernard. Aussi, je travaillais dans un magasin d’encadrement et de matériel d’artiste.

Puis, en 2013, j’ai déménagé à Sutton, dans les Cantons-de-l’Est. Ma rencontre avec D’Arts et de rêves remonte au tout début de ce magnifique projet de parc et de résidence d’artiste en plein cœur du village. Mon enthousiasme pour ce projet m’a poussé à m’y impliquer et à le promouvoir. Tout récemment, lorsque le coronavirus s’est manifesté, j’étais dans le sud de la France. Confinée et entourée de vigne, j’en ai profité pour peindre intensément.

Créer, c’est s’opposer à la domination et à la destruction de la beauté de la vie ! Créer, c’est faire l’éloge de la Liberté !

Nom de l'artiste : Ziemowit Fincek Titre: Forest Acrylique sur bois de la grange D'Arts et de rêves Dimensions: 48 po x 23 po
www.ziemowitfincek.com

L’œuvre «Forest» a été créé pendant le séjour de M Fincek à Sutton et s’inspire de ses paysages.

Ziemowit Fincek est un jeune artiste polonais prometteur qui a déjà un parcours exceptionnel.  Il a séjourné à la résidence D’Arts et de rêves en 2019 grâce à une bourse de création obtenue en Pologne. Extrait : « I like the whole idea of giving artists a place and if I can help with development of this institution by giving 50% from sold work to D'Arts et de rêves I would be honored. »

PRIX: 2014: The Best Polish Art Graduates Diplomas" - Nominé- Gdansk, Pologne / 2013 : Pleneriada- First Prize- Kazimierz on the Vistula, Pologne

En plus de nombreuses expositions collectives il a réalisé plusieurs expositions solos : 2020 Gallery NEXT - Bydgoszcz, Pologne / 2016 Gallery Central Eye - Poznan, Pologne / 2016 BWA Sandomierz - Sandomierz, Pologne / 2016 Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Solo Exhibition "Polonia" / Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Gallery L'Entrepot - Monaco, Monaco / 2015 Pragaleria - Warsaw, Pologne / 2011 Accademia Nova Gallery - Wroclaw, Pologne.

Nom de l'artiste : Ziemowit Fincek Titre: White flower Acrylique sur bois de la grange D'Arts et de rêves Dimensions: 24 po x 12.5 po
www.ziemowitfincek.com

L’œuvre «White flower» a été réalisé à Sutton pendant le séjour de M Fincek  la résidence D’Arts et de rêves. Cette œuvre est directement inspirée de paysage observé à Sutton.

Ziemowitz Fincek est un jeune artiste polonais prometteur qui a déjà un parcours exceptionnel.  Il a séjourné à la résidence D’Arts et de rêves en 2019 grâce à une bourse de création obtenue en Pologne. Extrait : I like the whole idea of giving artists a place and if I can help with development of this institution by giving 50% from sold work to D'Arts et de rêves I would be honored .

PRIX: 2014: The Best Polish Art Graduates Diplomas - Nominé- Gdansk, Pologne / 2013 : Pleneriada- First Prize- Kazimierz on the Vistula, Pologne

En plus de nombreuses expositions collectives il a réalisé plusieurs expositions solos : 2020 Gallery NEXT - Bydgoszcz, Pologne / 2016 Gallery Central Eye - Poznan, Pologne / 2016 BWA Sandomierz - Sandomierz, Pologne / 2016 Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Solo Exhibition "Polonia" / Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Gallery L'Entrepot - Monaco, Monaco / 2015 Pragaleria - Warsaw, Pologne / 2011 Accademia Nova Gallery - Wroclaw, Pologne.

Nom de l'artiste : Ziemowit Fincek Titre: First snow Acrylique sur bois de la grange D'Arts et de rêves Dimensions: 28 po x 40 po.
www.ziemowitfincek.com

L’œuvre «Forest» a été créé pendant le séjour de M Fincek à Sutton et s’inspire de ces paysages.

Ziemowit Fincek est un jeune artiste polonais prometteur qui a déjà un parcours exceptionnel.  Il a séjourné à la résidence D’Arts et de rêves en 2019 grâce à une bourse de création obtenue en Pologne. Extrait : « I like the whole idea of giving artists a place and if I can help with development of this institution by giving 50% from sold work to D'Arts et de rêves I would be honored. »

PRIX: 2014:The Best Polish Art Graduates Diplomas" - Nominé- Gdansk, Pologne / 2013 : Pleneriada- First Prize- Kazimierz on the Vistula, Pologne

En plus de nombreuses expositions collectives il a réalisé plusieurs expositions solos : 2020 Gallery NEXT - Bydgoszcz, Pologne / 2016 Gallery Central Eye - Poznan, Pologne / 2016 BWA Sandomierz - Sandomierz, Pologne / 2016 Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Solo Exhibition "Polonia" / Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Gallery L'Entrepot - Monaco, Monaco / 2015 Pragaleria - Warsaw, Pologne / 2011 Accademia Nova Gallery - Wroclaw, Pologne.

Nom de l'artiste : Christine Audet Titre de l'œuvre : « Chariot Hindi » Matériaux : Céramique et métal Dimensions : 32 cm x 58 cm x 30 cm

Céramiste depuis 40 ans, Christine Audet a participé à plus d'une centaine d'expositions au Québec, en Ontario, aux États-Unis et en France. Elle a été formée au Cégep du Vieux-Montréal et à l'Université Concordia. Spécialisée dans une technique de cuisson japonaise - le raku -, elle s'est bâtie une solide réputation en créant des pièces galettées de grands formats, ce qui est assez audacieux pour ce type de cuisson compte tenu de l'augmentation considérable des chocs thermiques et de l'exigence physique lors du défournement  des pièces incandescentes. Parallèlement  au raku, elle travaille des grès à haute température au gaz en atmosphère réductrice. Cette nouvelle approche céramique lui a permis d'acquérir de nouvelles connaissances techniques, d'approfondir son métier de céramiste et de développer des formes et des coloris très différents du raku.

Sa fascination pour l'architecture, l'archéologie et l'ethnologie, et ses nombreux voyages continuent de nourrir son inspiration. L'érosion de la matière et la beauté intemporelle des artéfacts et des architectures anciennes stimulent sa créativité. Elle conçoit ses œuvres en transposant et en réinterprétant des éléments décoratifs ou architecturaux anciens. La  finition  de ses pièces nous donne parfois  l'impression d'objets sortis de  fouilles archéologiques, tout en étant très contemporaine.

Yannick De Serre et Suzanne Lafrance Titre de l'œuvre: Faire feu de tout bois #2 Matériaux: Monotype sur papier acidifié, toile et fils
24’’ de haut x 17’’ de
www.yandesse.wixsite.com/yannickdeserre

Suzanne Lafrance détient un baccalauréat ès arts et des études de 2e cycle en anthropologie de l’Université de Montréal. Elle expose son travail depuis 2005. Ses sujets de prédilection sont la représentation du corps humain et la relation au langage. Boursière du CALQ, de la CRÉ et du FJL (Fonds des Laurentides, 2011) et d’une bourse d’excellence de la 6e Internationale d’art miniature, elle obtient le premier prix dessin de la 9e Biennale internationale d’art miniature (2008). Par ailleurs, elle a été finaliste au prix poésie Geneviève-Amyot 2015 et semi-finaliste au prix poésie de Radio-Canada 2012.

Yannick De Serre détient deux  baccalauréat de l’Université Laval:  le premier en Arts visuels(1999) et le second, en Sciences Infirmières (2004).  Il expose à travers le Québec en plus d’assurer une présence dans les grandes foires internationales (Papier-2015 à 2018, Art Basel-2013, TIAF-2011, Sydney et New-York-2010).  En 2012, le Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul acquiert l’une de ses œuvres. Depuis, nous retrouvons ces œuvres dans de nombreuses collections privées et institutionnelles.  La production récente de l’artiste met l’emphase sur l’omniprésence du vide dans nos vies respectives et ce, par l’entremise de techniques épurées, voir minimalistes.  À l’hiver 2018, il a entre-autre réalisé une résidence de création soutenue par le CALQ et le CAC au Centre Arteles en Finlande. Pour l’année à venir, il exposera ces plus récentes recherches au centre Sagamie (Alma),  ainsi qu’à la 10è Biennale d’estampe internationale du Douro (Portugal).

www.mathieulaca.com

Mathieu Laca peint essentiellement des portraits de personnages historiques issus de son panthéon personnel – artistes, écrivains, philosophes, musiciens. Il tente de traduire leur psyché par la hardiesse des empâtements, la fulgurance des éclaboussures. Ses portraits sont des hommages flirtant avec l’agression. 

Bachelier en arts visuels de l’Université Concordia en 2005, ses œuvres font partie de collections en Amérique du Nord, en Europe, en Asie, en Océanie et au Moyen-Orient. Laca est représenté par la galerie Thompson Landry à Toronto et la Orange Art Gallery à Ottawa. Il vit et travaille à Laval.

Nom de l'artiste : Suzelle Levasseur  Titre: 516.Héphaïstos Matériaux: huile sur toile dimensions 51 x 51 cm année 2010
www.suzellelevasseur.com

Suzelle Levasseur s’est mérité la reconnaissance et l’aide à la recherche et à la création du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts du Canada. Elle a bénéficié de séjours à l’étranger qui lui ont permis d’occuper les studios du Québec à Paris   ( 1992-1993 ) et à New York ( 2005 ). En 2010, l’artiste a été nommée expert régional en arts visuels par le ministère de la Culture et des Communications du Québec dans le cadre de la Politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement. Suzelle Levasseur vit et travaille à Montréal. 

Musée d’art contemporain de Montréal           

Musée national des beaux-arts du Québec

Musée d’art de Joliette                                       

Musée du Bas Saint Laurent                       

Banque d’œuvres d’art,                                      

Conseil des arts du Canada           

Collection Prêt d’œuvres d’art du Québec     

La collection Desjardins d’œuvres d’art   

Université de Montréal

C.U.M                                                                 

Air Canada

Université de Sherbrooke                                 

Centre d’art de Baie-St-Paul                      

Pétro Canada

Loto Québec   

Musée de  Rimouski

Musée Pierre Boucher de Trois-  Rivières

CollectArt

Hôpital Maisonneuve-Rosemont

Nom de l'artiste : Aydin Matlabi Titre de l'œuvre : « Cherif » 2018 Matériaux : Digital Fine Art Print Dimensions : 16 po x 24 po
www.aydinmatlabi.com

Having worked in Haiti, Afghanistan, South Thailand, Iraq, Iran, DRC, and many more countries who struggle for freedom, Aydin creates narratives and stories in order to provide visibility for human rights. During his humanitarian missions, fighting for justice, Aydin Matlabi was arrested more times than he can remember. As an artist, his main purpose is to create art that helps the weakened communities and to give voice to those who have been silenced. His art uncovers strength and humanity in the most challenging places. For over a decade, Aydin's art revealed violence, human crises, and upheavals. This work has gained him several prestigious awards and was shown in solo exhibitions, including at the Montreal Museum of Fine Arts. This exposure and attention have also left him very vulnerable. Presently banned from his own native country of Iran, a Fatwa (bounty) threatens his life. Aydin embraces this risk, as he embraces his mission to ensure that the world's unheard voices are heard.

Aydin arrived in Canada as a child refugee and was raised alongside street gangs. Living with and seeing violence was the norm which still fascinates him. Thus, Aydin is familiar with environments similar to those of his youth.  He always tries to see humanity beyond adversity, violence and horror, and to foster understanding of human struggles by exposing them in full view while aspiring to evoke hope.

Nom de l'artiste : Aydin Matlabi Titre de l'œuvre : « Toussaint » Matériaux : Digital Fine Art Print Dimensions : 16 po x 24 po
www.aydinmatlabi.com

Having worked in Haiti, Afghanistan, South Thailand, Iraq, Iran, DRC, and many more countries who struggle for freedom, Aydin creates narratives and stories in order to provide visibility for human rights. During his humanitarian missions, fighting for justice, Aydin Matlabi was arrested more times than he can remember. As an artist, his main purpose is to create art that helps the weakened communities and to give voice to those who have been silenced. His art uncovers strength and humanity in the most challenging places. For over a decade, Aydin's art revealed violence, human crises, and upheavals. This work has gained him several prestigious awards and was shown in solo exhibitions, including at the Montreal Museum of Fine Arts. This exposure and attention have also left him very vulnerable. Presently banned from his own native country of Iran, a Fatwa (bounty) threatens his life. Aydin embraces this risk, as he embraces his mission to ensure that the world's unheard voices are heard.

Aydin arrived in Canada as a child refugee and was raised alongside street gangs. Living with and seeing violence was the norm which still fascinates him. Thus, Aydin is familiar with environments similar to those of his youth.  He always tries to see humanity beyond adversity, violence and horror, and to foster understanding of human struggles by exposing them in full view while aspiring to evoke hope.

Nom de l'artiste : Damian Siqueiros Titre de l'œuvre : « Homo Naturans » Matériaux : Photographie. Impression sur papier coton 300gr Dimensions : 16po x 20 po
www.damiansiqueiros.com

Creator for impact Damian Siqueiros uses art to create positive narratives that aims towards healing social and ecological environments through empathic visual storytelling. While Siqueiros’ work is presented through photography, the creation of his images entails being a multidisciplinary practitioner: from make-up artist, stage designer, director, to photographer and digital artist. Performing arts have been at the core of his work almost since the beginning of his career. For him, performance has become a language expressed through photography to address complex issues through emotive abstract movement.

Siqueiros has collaborated with talented choreographers such as Sidi Larbi, Margie Gillis, Kyra Jean Green, Andrews Skeels as well as companies such as Danse Danse and Les Grands Ballets de Montréal. Damian has created more than 60 exhibitions in Canada and internationally, notably in Washington D.C, in Miami, in Mexico, in South Korea, in Toronto, Montréal and New York.

Siqueiros is currently working on Terra Sapiens, fostering an “art for environmental regeneration” vision with thought-provoking artistic representations of a viable future nurturing symbiotic Natural, Human, Collaborative and Developmental environments. In collaboration with LembasWorks, the entertainment for impact firm, this project features educational programs and community activating audio-visual creations featuring the Terra Sapiens Collective.

Nom de l'artiste : Ewa Scheer Titre de l'œuvre : « Moment in Time » Matériaux : Non-toxic pigments on ice/ diasec/steel Dimensions : 22 po x 18 po
www.ewascheer.com

L'œuvre d'Ewa Scheer comprend des dessins au crayon graphite, des dessins avec des fragments photographiques (dessins hybrides), des œuvres de techniques mixtes, des peintures, de la photographie et des œuvres conceptuelles d'art éphémère, qu'elle nomme des météographes ou des peintures sur glace. Outre ses études en beaux-arts (maîtrise en beaux-arts à l'Université de Regina), elle a étudié la philosophie et la psychologie en Pologne. En 2011 et 2019, ses portraits ont été finalistes du Prix Kingston du Portrait Canadien. Ses peintures sur glace ont fait l'objet d'un reportage télévisé allemand en 2013. La même année, elles ont été présentées sous forme de projections, accompagnées de la musique pour piano du compositeur québécois Christian Girard. Ce concert a été présenté au Conservatoire de musique du Québec, à Montréal. Son travail a été exposé au Canada, aux États-Unis et en Europe. Après avoir vécu en Europe et en Afrique au cours des 20 dernières années, elle a élu domicile à Montréal. Elle habite maintenant à Sutton.

Nom de l'artiste : Marc Séguin Titre de l'œuvre : « Paysage arctique # 1, 2018 » (encadré) Matériaux : Sérigraphie d'interprétation, édition de 50 Dimensions : œuvre : 62,5 x 77 cm
www.marcseguin.com

Diplômé en beaux-arts de l’Université Concordia, Marc Séguin est un artiste multidisciplinaire, à la fois peintre, romancier et cinéaste. Dès sa première exposition en 1996, il attire favorablement l’attention des critiques et des collectionneurs. Ses tableaux font partie des collections de plusieurs grands musées tel que le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée des beaux-arts de Montréal et le Musée national des beaux-arts du Québec. Son oeuvre comprend également quatre romans et un recueil de poèmes. Le premier long métrage de fiction qu’il a réalisé et écrit, Stealing Alice, est sorti en 2016. En 2017, il a réalisé le documentaire La ferme et son État, un portrait actuel des forces vives et des aberrations en agriculture au Québec.

Nom de l'artiste : Marc Séguin Titre de l'œuvre : « Cœur noir » 2000 Matériaux : Eau forte, édition 9/20 Dimension: 28 x 21 cm non encadrée
www.marcseguin.com

Diplômé en beaux-arts de l’Université Concordia, Marc Séguin est un artiste multidisciplinaire, à la fois peintre, romancier et cinéaste. Dès sa première exposition en 1996, il attire favorablement l’attention des critiques et des collectionneurs. Ses tableaux font partie des collections de plusieurs grands musées tel que le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée des beaux-arts de Montréal et le Musée national des beaux-arts du Québec. Son oeuvre comprend également quatre romans et un recueil de poèmes. Le premier long métrage de fiction qu’il a réalisé et écrit, Stealing Alice, est sorti en 2016. En 2017, il a réalisé le documentaire La ferme et son État, un portrait actuel des forces vives et des aberrations en agriculture au Québec.

Nom de l'artiste : Michel Bachelet Titre de l'œuvre: «Terre lointaine» (lampe) Matériaux : tronc de cèdre, métal bleu, socle en frêne, (ampoule et fil inclus) Dimensions : 18 po x 7 po x 7 po
www.zonevert.ca

Après une carrière dans le milieu des métiers d’art et du design, les années 2000 ont marqué pour moi une transition vers le monde des arts visuels. Depuis 2003, je crée des installations qui entrent en interaction avec le territoire : son relief, ses lumières, ses points de vue, mais aussi son histoire. À travers mes œuvres, je m’interroge sur le paysage et les écosystèmes, ainsi que sur la relation entre l’humain et son environnement.

De 2003 à 2011, mes œuvres se sont principalement inscrites dans la mouvance du land art. L’idée de sortir l’art des espaces clos reflète ma perception de la place de l’art dans la société. J’aime que mes œuvres in situ croisent le chemin des gens. Elles évoquent plutôt qu’imposent et polarisent le regard sur ce qui nous entoure. Le réel et l’histoire d’un lieu s’y entrechoquent avec la matière pour former un paysage inventé. Mes œuvres ont un caractère poétique, voire contemplatif, et offrent un deuxième niveau de lecture qui conscientise sur les traces que laissent nos sociétés.

Depuis 2011, ma réflexion me pousse à explorer les lieux façonnés par l’homme. Quel est le lien qui perdure entre la nature et l’humain, au sein d’environnements transformés par ce dernier ? Comment favoriser une expérience immersive dans un contexte de mouvance et de foule ? Habité de ces questions, j’élabore des œuvres intégrées à l’architecture et aux lieux publics. Alors que j’ai d’abord exploré les matériaux naturels et éphémères, je me suis tourné vers des matériaux durables, davantage associés aux villes et à l’industrialisation

Nom de l'artiste : Robin de Leeuw Titre de l'œuvre : Vase Matériaux : bois - loupe d'érable à sucre Dimensions : 16,5 cm x 27 cm

J’ai toujours travaillé le bois, mais maintenant je me consacre au tournage du bois. J’utilise le bois de la région, récolté à la main, de manière responsable. Chaque pièce, aux formes équilibrées et plaisantes, est unique et faite d’une essence exceptionnelle.

Nom de l'artiste : Maurice Ferland Titre de l'œuvre : « Morceau du Québec » Dimensions : 83,8 cm x 50,8 cm Matériaux : Bois et granit

https://artdepotsutton.com/

En 2017, Maurice Ferland fonde, avec Mado St-Cyr, la Galerie ART DÉPÔT, à Sutton. En 2019, ils ont fermé la galerie pour se concentrer sur la présentation et la vente de leurs œuvres sur leur site internet ou directement à leurs ateliers.

Maurice Ferland a présenté ses sculptures à la Boutique Vert Partout de Sutton, à la Galerie Art Dépôt, de 2017 à 2019, et au Champ de sculptures, à Abercorn, de 2018 à 2019.

Nom de l'artiste : John Glendinning Titre de l'œuvre : « Vaisseau » Matériaux : sculpture de cerisier plié à la vapeur, teinture naturelle Dimensions : 38 cm x 24 cm x 14 cm
www.johnglendinning.ca

En tant que designer, je crée des pièces uniques et je fabrique du mobilier de qualité et des objets faits sur mesure. J'ai commencé à travailler le bois car j'ai été séduit par sa beauté et ses caractéristiques physiques. Les différentes essences me posaient un défi que j'avais clairement sous-estimé. Même si j'ai développé une connaissance intime de ce matériau et des différentes méthodes pour le travailler, il ne cesse de me rappeler qui est en contrôle lorsque j'essaie de le convaincre de faire ce que je désire.

Ma démarche est sans cesse en évolution et en réévaluation, la seule constante étant le focus que je porte sur le matériau. Je crois donc qu'il est important que ses attributs naturels contribuent au succès du design, sans pour autant en dépendre exclusivement.

Mes réalisations furent exposées et incluses dans diverses collections nationales et internationales d’œuvres d’art d’institutions gouvernementales et municipales, entre autres. En 2008, j'ai été reçu membre de l'Académie royale des arts du Canada (ARC). Mon studio est situé dans le corridor appalachien, à Sutton (Québec, Canada).

Nom de l'artiste : Ziemovitz Fincek TITRE: TOTEM, 2019 Matériaux: branche, bois de grange, papier Dimension: 55.5 x 38 x 8.2 po
www.ziemowitfincek.com

L’œuvre TOTEM a été créé pendant le séjour de M Fincek à Sutton. On y retrouve le visage de plusieurs personnes vivant à Sutton.

Ziemowit Fincek est un jeune artiste polonais prometteur qui a déjà un parcours exceptionnel.  Il a séjourné à la résidence D’Arts et de rêves en 2019 grâce à une bourse de création obtenue en Pologne. Extrait : I like the whole idea of giving artists a place and if I can help with development of this institution by giving 50% from sold work to D'Arts et de rêves I would be honored .

PRIX : 2014:The Best Polish Art Graduates Diplomas" - Nominé- Gdansk, Pologne / 2013 : Pleneriada- First Prize- Kazimierz on the Vistula, Pologne

En plus de nombreuses expositions collectives il a réalisé plusieurs expositions solos : 2020 Gallery NEXT - Bydgoszcz, Pologne / 2016 Gallery Central Eye - Poznan, Pologne / 2016 BWA Sandomierz - Sandomierz, Pologne / 2016 Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Solo Exhibition "Polonia" / Mia Art Gallery - Wroclaw, Pologne / 2015 Gallery L'Entrepot - Monaco, Monaco / 2015 Pragaleria - Warsaw, Pologne / 2011 Accademia Nova Gallery - Wroclaw, Pologne.

Nom de l'artiste : Patrick Morency Titre de l'œuvre : «Froissement 13 » Matériaux : Tôle pliée et peinte Dimensions : 20 po x 12 po x 11 po
www.morencyartdesign.wix.com

Formé en design intérieur au début des années 90, Patrick Morency travaille pendant plusieurs années comme peintre de faux finis et créateur de décors et de meubles. En 2002, il entreprend sa formation universitaire en art visuel à l’Université du Québec à Montréal, puis expose fréquemment, notamment à la Galerie Zéphyr, où il créera la façade faite de plaques d’acier oxydé, matériau que l’artiste privilégie dans son travail.

Suite à cette expérience, il prend conscience du potentiel combinatoire de l’art, du design et de l’architecture, qui enrichissent non seulement son parcours, mais aussi son langage. Il dissocie de moins en moins l’art et l’architecture et prend conscience de l’importance de la matière, qui contient son propre langage, sa propre charge symbolique.

Son travail pictural est basé sur la notion de répétition, soit des séries de tableaux identiques où le « sujet » devient évidence, mais qui, en même temps, perds de son sens. Cette stratégie sert à souligner l’aspect unique, mais néanmoins reproductible - du moins en apparence -, de toutes choses.

Sa recherche sculpturale joue sur les relations entre la forme, les proportions et la matière. En privilégiant la géométrie comme voie d’exploration, l’artiste propose des pièces qui sont simples en apparence, mais qui sont dotées d’une complexité interne.

Patrick Morency est le créateur derrière l’œuvre controversée installée sur le terrain de la galerie ART PLUS. En juillet, il sera directeur artistique pour la semaine de sculpture à l’école d’art de Sutton, un camp d’été artistique pour enfants. 

Nom de l'artiste : Francine Lemieux Titre de l'œuvre : « Mise à l'ombre # 17 » Matériaux : Semi-porcelaine (glaçure cuivre manganèse) Dimensions : 13 po x 20 po x 4 po

Francine Lemieux est née à Montréal. Après avoir terminé son cours classique au Collège  Jean-de-Brébeuf, elle s'est dirigée vers l'UQAM pour entreprendre un baccalauréat en sculpture. En 1972, elle décroche un poste d'enseignante dans une école secondaire de Dublin. Elle y enseigne les arts plastiques pendant une année. Lors d’un bref retour, elle se marie en 1974 et quitte pour l'Ontario. En 1980, cette fois, elle s'installe à Gander, à Terre-Neuve, et y séjourne pendant quatorze années. En 1994, bref retour en Ontario, pour finalement réintégrer sa ville natale en 1996, où elle reprend ses études à l'UQAM pour obtenir, en 2001, son baccalauréat en arts visuels. Le dessin, la sculpture d'argile et la manipulation d'images sont les médiums qu'elle privilégie. 

Depuis 2003, elle pratique la céramique au Centre des Arts visuels de Westmount.  Elle a fait quelques expositions solos à Montréal et a participé à des expositions de groupe à la Blink Gallery, à Ottawa, et à la galerie McClure de Westmount.  

Nom de l'artiste : Francine Lemieux Titre de l'œuvre : « Cirque sur roue » Matériaux : Semi-porcelaine glaçure cuivre et manganèse 15 po X 9 po

Francine Lemieux est née à Montréal. Après avoir terminé son cours classique au Collège  Jean-de-Brébeuf, elle s'est dirigée vers l'UQAM pour entreprendre un baccalauréat en sculpture. En 1972, elle décroche un poste d'enseignante dans une école secondaire de Dublin. Elle y enseigne les arts plastiques pendant une année. Lors d’un bref retour, elle se marie en 1974 et quitte pour l'Ontario. En 1980, cette fois, elle s'installe à Gander, à Terre-Neuve, et y séjourne pendant quatorze années. En 1994, bref retour en Ontario, pour finalement réintégrer sa ville natale en 1996, où elle reprend ses études à l'UQAM pour obtenir, en 2001, son baccalauréat en arts visuels. Le dessin, la sculpture d'argile et la manipulation d'images sont les médiums qu'elle privilégie. 

Depuis 2003, elle pratique la céramique au Centre des Arts visuels de Westmount.  Elle a fait quelques expositions solos à Montréal et a participé à des expositions de groupe à la Blink Gallery, à Ottawa, et à la galerie McClure de Westmount.  

Nom de l'artiste : Amélie Pomerleau Titre de l'œuvre : « Dans les profondeurs » Matériaux : Céramique Dimensions : 33 cm x 23 cm x 20 cm
www.ameliepomerleau.com

Amélie Pomerleau a grandi dans le nord de l’Ontario. Le contact avec la nature sauvage et l’immensité du Nord sont des points de référence dans son expérience existentielle et culturelle.

Après un BAC et une majeure en sculpture obtenue à l’Université Concordia de Montréal, elle complète un DEP en taille de pierre à Lac-Mégantic. Elle ira trois fois en Europe pour se former en dessin et en sculpture sur pierre. Elle acquiert, au fil de ses formations, une vaste expérience du langage plastique et conceptuel. Depuis 2013, son travail est exposé et reconnu.
Elle est deux fois récipiendaire d’une bourse du CALQ pour des projets qui soulignent les enjeux autour de la condition féminine et de l’intimité.

Nom de l'artiste: Michel-Louis Viala Titre de l'œuvre : « Hier et aujourd'hui » Matériaux : Argile, cuisson raku Dimensions : 19 po x 15 po x 4 po
www.poterieplurielsingulier.com

Michel Louis Viala, céramiste engagé, a fait ses premières armes à Paris dans la mouvance des arts, en 1968. Invité au Québec pour un projet d’implantation d’atelier de céramique, il y est resté et s’est fixé dans les Cantons de l’Est depuis 1980. Ses œuvres de grès haute température sont teintées de son expérience européenne. 

En ce qui concerne sa recherche, elle est inspirée par l’environnement. Son principal souci est de souligner le lien étroit entre céramique et nature. Ses sculptures expriment cette préoccupation à travers des installations à ciel ouvert.

La direction de ma production actuelle est structurée autour de sculptures qui utilisent la technique du raku ou celle de la cuisson à la soude. Ces sculptures ont été conçues pour occuper un ou des espaces extérieurs. Le choix du site, la luminosité et le nombre de pièces jouent un grand rôle dans la mise en situation visant à obtenir la qualité visuelle recherchée. De plus, chaque sculpture possède une personnalité propre, grâce à son assemblage de modules particuliers et son traitement à l’aide des glaçures de raku ou de grès haute température. Celle-ci produit des entités non descriptives qui réagissent avec l’environnement et octroient aux regardants une pleine liberté de cheminement imaginatif

Nom de l'artiste : Lucie Champoux Titre de l'œuvre : « La langue des oiseaux » Matériaux : Technique mixte sur bois Dimensions : 20 po x 20 po
www.luciechampoux.com

Artiste multidisciplinaire possédant un D.E.C. en architecture et un baccalauréat en arts visuels (avec distinction), Lucie Champoux travaille comme paste-up artist  pour Arts West Magazine de Calgary, étudie l’aquarelle à Dallas et œuvre dans le domaine du graphisme.

Elle dessine, peint, sculpte et assemble la matière, tout en demeurant fidèle à ses élans créateurs qui lui permettent d’emprunter des sentiers inattendus, où l’âme cherche et trouve. Elle a participé à plusieurs expositions et symposiums au Québec et à des projets artistiques : animations, murales, livres, etc.

La nature, le processus créateur et le pouvoir de l’imaginaire font partie intégrante de l’œuvre de Lucie Champoux. Depuis 5 ans, c’est à partir d’éléments trouvés qu’elle donne vie à des créatures ailées tout à fait singulières, comme sorties de l’inconnu.

Elle recycle des objets en bois, en métal, en papier, etc., en les reliant avec des bandes de coton plâtré. Consciente des tribulations humaines et terrestres des temps présents, elle observe, elle pense et elle panse la matière avec du plâtre, dans la noble intention de transcender la souffrance humaine.

Elle aime observer d’où vient la vie. Provient-elle de l’ombre, de la lumière ou encore de la complicité des deux ? Les éléments de la nature à travers le regard de l’art offrent une multitude de possibilités visuelles et émotionnelles qui nourrissent l’âme à l’infini.

Nom de l'artiste : Geneviève Duplessis Titre de l'œuvre : « Les Triplettes de Venise » Essai 5 de 7 Matériaux : Encre à l'eau, papier 100% , cotton, 6 couleurs, 7 passage Dimensions : 15 po x 22 po
www.tourdesarts.com/5-Geneviève-Duplessis/

Designer de l’environnement, Geneviève Duplessis  est une artiste plasticienne qui pratique la sérigraphie dans son atelier de Potton depuis 2017. C’est à partir de ses propres photos et de ses dessins qu’elle crée des estampes originales par procédé de clichage photochimique direct. Elle pousse l’encre à travers la soie manuellement.

En 2018, elle a terminé un stage de perfectionnement en sérigraphie auprès de Gianpaolo Fallani, à Venise. Tout en approfondissant ses connaissances des techniques traditionnelles, Geneviève continue d’expérimenter en marge de celles-ci.

L’être concentré, le cliché et l’objet iconique figurent parmi ses thèmes favoris. Ses sérigraphies sont des représentations poétiques et contemporaines. D’un mimétisme ironique avec les tendances graphiques populaires actuelles, ses estampes s’insèrent aisément dans notre environnement visuel, tout en se distinguant sans contredit par leur authenticité. Portée par l’encre et le papier, l’image se détache du virtuel pour devenir une œuvre vibrante et tactile. Chacune de ses estampes est une œuvre d’art unique, signée et numérotée.

En plus de sa production artistique, Geneviève, Alias TOGpotton, crée des produits imprimés, dérivés de sa recherche picturale

Nom de l’artiste : Johanne Durivage Titre de l’œuvre : « L’intimité » Matériaux : Acrylique sur toile Dimensions : 50 cm x 50 cm
www.johannedurivage.com

Née à Montréal en 1947, Johanne Durivage fait des études à l'Université de Genève, où elle obtient une licence de thérapeute en psychomotricité. Elle pratique ensuite en pédopsychiatrie dans deux hôpitaux montréalais.

Elle navigue dans les eaux souvent troubles du dysfonctionnement de l'être humain. Elle relève sans cesse le défi d'aider des enfants à retrouver une image positive de leur corps et à entrer en relation avec les autres. Son travail la plonge dans un univers de création, car l'implication thérapeutique à travers le jeu exige une imagination fertile et un renouvellement constant.

En 1976, elle fait une escapade de trois ans au Mexique. Elle travaille auprès d'enfants de milieux défavorisés de la ville de Mexico et participe à l'écriture d'un ouvrage en espagnol, en se consacrant au volet du développement psychomoteur du jeune enfant. 

C'est en 1988 qu'elle s'investit dans l'expression picturale et expérimente le pouvoir bienfaisant de l'art. Encouragée par son entourage, elle s'inscrit au Centre d'Arts Saidye Bronfman. Depuis 1990, elle participe à différentes expositions de groupes et en duo, dont la dernière, en duo, a été présentée à la Galerie Arts Plus de Sutton

Nom de l'artiste : Mari Mari Titre de l'œuvre : « Voir Tout Voir » (Triptyque) Matériaux : Technique mixte Dimensions : 3 fois 12 po x 6 po
www.marimari.studio

Études

2013-2017  Certificat en arts visuels, Université Bishop, Sherbrooke

2005-2006  Programme d’études dirigées avec l’artiste peintre Caroline Lindsay Hart/ Centre des arts visuels de Montréal.

2000-2005  Formation en sculpture avec le sculpteur Jacques Bénard de Montréal

1970-1973  Classes de peinture avec le Frère Jérôme - Art figuratif/automatisme et langage pictural abstrait

Études (autres)

1988-1989 Formation post doctorale en psychiatrie et endocrinologie moléculaire, Département de psychiatrie et d’endocrinologie moléculaire, Faculté de Médecine, Université Laval.

Parcours artistique

Mai 2019  Galerie Lachapelle, Bromont.

Avril 2019 Galerie Art Plus, Sutton

Août 2017 à Janvier 2018 Galerie Artêria, Bromont

Juin 2017  Exposition solo, Galerie Art Plus, Sutton.

17 août 2016 Auberge du lac Brome, exposition collective.

Août 2014  Galerie Zéphyr, Montréal, exposition collective.

Février 2014  Galerie Zéphyr, Montréal, exposition en duo.

Décembre 2013  L’Espace Blanc, Bromont, exposition en duo.

Février 2013  ARTOULOUSE, France, exposition collective.

2003 à 2005  Galerie Maggie Maguire, Montréal, expositions collectives avec l’atelier d’art 448.

1970-1973  Collège Notre-Dame, Montréal, expositions collectives avec les élèves du Frère Jérôme.

1972  Chalet de la Montagne, Montréal, exposition collective, peinture et sculpture, avec les élèves du Frère Jérôme.

2013  Palme d’or, catégorie Peinture Abstraite, ARTOULOUSE, France

Bibliographie

2018 - « Lily Gaudreault: L’artiste Mari Mari ou l’art de créer sa vie. »  Journal Ici Maintenant.

2016 - Toile publiée dans la revue Chez Soi.

Nom de l'artiste : Françoise Lamothe Titre de l'œuvre : « Petit monde revisité # 8 » Matériaux : Photographie, broderie à la main, dessin (crayons de couleur sur Mylar Dimensions : 40 cm x 30 cm
www.francoiselamothe.com

Née à Montréal en 1950, Françoise Lamothe vit à Sutton depuis 2013. Elle est membre professionnelle du RAAV (Regroupement des artistes en arts visuels).

Formation artistique

-          École des Beaux-Arts de Montréal (1968-1969) et UQAM (peinture, gravure, 1970).

-          UQAM (baccalauréat spécialisé en design 2D, 1973), se réoriente vers le graphisme.

-          Kunstgewerbeschule de Bâle, Suisse (1973-1975), se perfectionne en graphisme.

-          Après un long détour par la massothérapie, retour aux arts visuels dans les années 1990 (cours dans différents ateliers : Centre Saîdye Bronfman, École d’été de Mont-Laurier,…).

-          En 2005, a entrepris un BFA en peinture/dessin à l’Université Concordia (BFA 2011).

-          Depuis, elle continue de se perfectionner de façon régulière : arts textiles et photographie (Université Bishop), stage de fabrication de papier fait-main (avec Carole Baillargeon), différents ateliers de gravure (Atelier Alain Piroir, Centre Zocalo, Atelier Circulaire).

-          Elle est depuis peu membre du groupe Encre-Guenille (studio de Bernice Sorge, à Dunham).

Au cours des dernières années, elle a participé à plusieurs expositions de groupe ou en duo. Les principales sont :

2014  « Atmosphère », Galerie Art Libre (Sutton).

2017  « Dessin contemporain », Studio Georgeville (commissaire Holly King).

2018  « Filons Textiles », Musée Bruck (Cowansville).

2018   « Conversation de fil en aiguille » au Centre d’art de Dunham, puis à Boréart, à Granby.

Nom de l'artiste : Renée Larochelle Titre de l'œuvre : « Ouverture » Matériaux : Céramique-grès Dimensions : 11 po x 8 po

www.reneelarochelle.com

Native de Sherbrooke, Renée Larochelle s’initie à la céramique et développe ses techniques lors de ses années passées à Ottawa, où elle suit plusieurs formations avec des céramistes canadiens et américains de renom. Depuis, ses mains n’ont cessé d’avoir un lien intime avec la terre.

Biologiste de formation, elle puise son inspiration dans la nature et le monde animal, notamment dans les traces laissées par les éléments sur la terre et l’eau : terres craquelées, fissures, crevasses, sillons, vagues. La texture qu’elle donne à l’argile est un élément essentiel dans son processus créatif. Le traitement du motif et de la surface demeure simple et dépouillé, conférant un caractère primitif à ses pièces. De plus, la texture et la rugosité de l’argile brute, en contraste avec les glaçures, contribuent à leur donner un aspect à la fois organique et chaleureux. Dans ses créations récentes, elle explore le thème des brèches, fêlures, cassures, failles et fractures, qui constituent autant d’ouvertures par lesquelles pénètre le regard.

Renée Larochelle est membre artisan professionnel en métiers d’art du Conseil des métiers d’art du Québec. Elle a participé à plusieurs expositions collectives dont, récemment, une exposition en duo au Musée Beaulne, à Coaticook, et en tant qu’artiste invitée à la galerie Gaétan-Beaudin lors de l’événement 1001 Pots, à Val-David. Elle a également été présidente du Circuit des arts Memphrémagog. 

Nom de l'artiste : Louis Lefebvre Titre de l'œuvre : « Chicago Underpass Graffiti » Matériaux : Technique mixte Dimensions : 30 cm x 30 cm (50 x 50 x 3 cm avec cadre et vitre)

Éthologue, écrivain et artiste visuel, Louis Lefebvre a étudié à Montréal, Pise et Oxford. Comme artiste visuel, ses assemblages d'objets, de papiers et de photos ont été exposés à Montréal, Sienne, la Barbade, Frelighsburg (où il habite), Sutton, Sherbrooke et Saint-Antoine-sur-Richelieu. Comme écrivain, il a publié quatre romans (chez Boréal), dont deux ont été finalistes au Prix du Gouverneur-Général, et des poèmes dans des revues. Comme éthologue, il a plus de 140 publications scientifiques et a reçu, en France, le Prix Geoffroy-Saint-Hilaire. 

Nom de l'artiste : Hélène Lessard Titre de l'œuvre : « Vers où allons-nous? » Matériaux : Technique mixte et collage sur toile marouflée sur panneau galerie Dimensions : 33 po x 13 po
www.helenelessard.com

Bachelière  en  design graphique, Hélène Lessard, colorée et audacieuse, est très présente depuis 2002. Montréal, Mont-Saint-Hilaire, Sutton, Dunham, Frelighsburg, St-Jean-sur-Richelieu, Granby, mais aussi la Gaspésie et le Vermont, ont accueilli ses œuvres à plusieurs reprises, en solo et en groupe, dans le cadre de festivals, de symposiums, d'ateliers, d'expositions, de salons des arts, d'expériences de peinture en direct, de galeries et musées. Créatrice originale, c'est avec simplicité et empathie qu’Hélène Lessard, en parfaite maîtrise de son art, souhaite le partager et le communiquer sur le plus vaste territoire possible. Elle nous fait don, avec intelligence, d’une œuvre généreuse et aventurière qui ouvre et éclaire nos voies intérieures. 

Nom de l'artiste : Sanders Pinault Titre de l'œuvre : « Corsage » Matériaux : Encre et fusain sur papier toilé marouflé sur bois Dimensions : 19 po x 14 po

Artiste multidisciplinaire, détentrice d’un baccalauréat en Fine Arts de l’Université Bishop’s, à Lennoxville, Sanders Pinault expose depuis plusieurs années et participe régulièrement à des expositions collectives. L’artiste navigue entre la peinture, la sculpture et la gravure. La matière est son médium, le touché est primordial et l’émotion nécessaire. Le corps humain est omniprésent dans son travail. Ce qui l’allume, c’est cette recherche de texture qui exprime les déchirures, blessures et fractures que la vie s’autorise à estampiller. À travers ces marques, la lumière voit le jour.

L’artiste donne des ateliers de monotype (gravure), sculpture et peinture. Son atelier est ouvert à l’année sur rendez-vous.

Nom de l'artiste:Pierre Pelletier (décédé 2019) Titre de l'œuvre : « Sans titre » Matériaux : huile et plâtre sur toile Dimension : 24 po x 12 po

Pierre Pelletier/ Artiste peintre 1937- 2019

Diplômé de l’École des Beaux-Arts

Sa peinture et son style évoluent avec les années se laissant guider par de nouvelles techniques à chaque création.  La compréhension de l’espace, le sens des couleurs, le don pour le dessin se révèlent dès sa vie de jeune adulte. Il étudie les réactions des couleurs entre elles; autant de combinaisons possibles pour rendre des ambiances uniques dans chaque œuvre. Chacune d’elles est unique et leur valeur se retrouve dans son originalité. Aucune limite au processus de création, aucune limite non plus à l’utilisation des techniques et des supports. L’inspiration lui venait de la vie courante, donnant libre cours à ses fantaisies des plus classiques aux plus modernes, chaque geste lui donnait corps. 

Il était inspiré et inspirant.

Nom de l'artiste : Christiane Roy Titre de l'œuvre : « Sardines à l'huile » Matériaux : Gravure au burin sur plaque de plexiglas, papier japonais Kosuke; encre (soluble à l'eau Caligo). Dimensions : 38 cm x 31,5 cm.
www.christianeroy.weebly.com

Je suis née à Montréal (Québec) en 1956 et j'ai étudié les arts visuels à l'Université du Québec à Montréal, où j'ai obtenu un baccalauréat spécialisé en Arts plastiques en 1978. Je faisais alors de la gravure à l'eau forte J'ai fait un stage en France de 1979 à 1981, où j'ai fait la rencontre du graveur et sculpteur Marc Dautry. Il m'a permis de perfectionner la technique de la gravure au burin, ma technique de prédilection. Depuis 1992, mon atelier de gravure est à Sutton, dans l'Estrie, où je vie maintenant. Au fil des ans, j'ai participé à plusieurs expositions et biennales d'estampes, dont au Canada, en France, au Japon, aux États-Unis et en Espagne. J'ai aussi exposé en solo mes gravures et dessins à Montréal, Toronto et Sutton.

La technique de la gravure au burin appelle une démarche créatrice qui lui est propre. Comme l’image se construit grâce à un jeu de lignes qui se croisent et s’entrelacent, c’est le détail du dessin qui l’emporte sur le sujet, qui semble se dissoudre derrière l'effet optique qu'il produit. C’est pourquoi j’aime choisir un sujet des plus concrets, que je dessine d'après nature. Il m’est alors possible de le transfigurer, de lui donner vie, grâce au langage si particulier du burin, créant un espace et du mouvement. Parallèlement à la gravure sur plaque de cuivre, je donne un nouveau souffle à ma gravure en appliquant ma technique sur plaque de plexiglass.

Nom de l'artiste : Anke Van Ginhoven Titre de l'œuvre : « harmonie » Matériaux : papier fait main,, techniques mixtes, encadré Dimensions : 10 p x 10 po.Hollandaise d’origine, Anke VanGinhoven habite Sutton, Québec, depuis 1967. Elle fut des premières heures de la Galerie Arts Sutton, du Tour des Arts. Elle possède une maîtrise de l’Université du Québec, un baccalauréat de l’École des Beaux-Arts de Montréal, ainsi que du Museumschool d’Amsterdam. Elle a étudié la fabrication du papier au Japon, la confection de bijoux au Mexique et aux États-Unis. Céramiste, lissière (tapisserie), bijoutière, peintre et sculpteure, Anke s’est toujours promenée avec aisance entre toutes ces disciplines, refusant de s’en tenir qu’à un seul médium. Toujours à l’affût d’une autre découverte, d’un nouveau voyage avec la matière.

            Ses œuvres ont fait partie de multiples expositions solos, autant au Japon qu’au Nouveau-Brunswick, qu’au Musée des Beaux-Arts de Montréal ou celui de Québec. Elles font partie de plusieurs collections, dont celle de la Banque des œuvres d’art du Canada. Présentes également dans des institutions de la région de Sutton, comme, entre autres, à l'hôtel-de-ville, à la résidence Villa des Monts, au parc d'Arts et de Rêves de Sutton, à l'ancienne église «Old Brick Church» de West Brome, l’église Saint Léon de Cowansville. 

Dotée d’une imagination sans bornes, chacune de ses pièces est aussi unique que l’artiste elle-même. 

Nom de l'artiste:Robert Roussil (1925 -2013 ) Titre de l'œuvre : sans titre Matériaux : lithographie originale à tirage limité, signée. 25/50 Dimension : 35.5 x 26.4 cm

Natif de Montréal, Robert Roussil a fait ses études à l’École du Musée des beaux-arts de Montréal. Grand maître moderne, adepte de réalisation monumentale, certaines de ses premières œuvres sont qualifiées d’indécentes, et il fait scandale. Les sculptures de Roussil, gigantesques ou miniatures, expriment un thème fondamental et constant, soit la vie qui se régénère grâce à la joie, à la sensualité, à l’érotisme et à l’amour ; ses principaux thèmes sont ceux de l’homme et de l’oiseau. Robert Roussil a travaillé toutes les matières : le ciment, l’acier, le bronze, la pierre, avec une prédilection pour le bois. L’essentiel de ses réalisations se retrouve en France et ici, au Québec

« Robert Roussil était un Hercule des temps modernes », dit le poète critique d’art François Tétreau, auteur du livre Roussil écarlate (éditions du Trécarré, 1996). « C’était une force de la nature. C’était surtout un des plus importants sculpteurs québécois. Avec Charles Daudelin, à mon avis, c’est tout simplement le plus grand du XXe siècle. Robert Roussil a fait éclater le classicisme qui régnait ici à la fin des années 1940. Il s’est résolument engagé dans l’art moderne et il a entraîné beaucoup de gens derrière lui. »

Nom de l'artiste : Andrée Pelletier Titre de l'œuvre : « Berthe » Matériaux : Acrylique sur toile Dimensions : 40 cm x 30 cm www.andreepelletier.com

Depuis toujours, Andrée Pelletier a dessiné, peint, sculpté. Pourtant, pendant plus de trente ans, elle a œuvré dans le domaine du cinéma et de la télévision, avec l'image en mouvement. Après des études universitaires en histoire de l’art et en arts visuels, elle a poursuivi une carrière de comédienne, tournant une vingtaine de films. Elle jouera autant au cinéma qu’au théâtre.

Elle entreprend, en 1980, une carrière de scénariste. Ses multiples scénarios se démarquent par leurs rôles féminins forts, notamment celui de la télésérie Blanche, coécrite avec sa sœur Louise. Sa première œuvre, en tant que réalisatrice, sera un court métrage. Elle réalisera aussi un long métrage et deux documentaires. C’est ensuite comme cadre dans une chaîne de télévision qu’elle poursuivra sa carrière.

Au cours des dernières années, l'image statique a repris sa place et Andrée est revenue à ses premières amours : les arts visuels. En plus de la peinture et de la sculpture, elle travaille sur tablette électronique, créant des œuvres très détaillées et de grande taille. Sa fascination pour le portrait, les visages qui émanent de nulle part, est au cœur de son œuvre. « Deux yeux, un nez, une bouche…comment ces trois éléments, toujours les mêmes, peuvent-ils créer autant de visages différents ? »

Ces dernières années, Andrée a exposé en solo, entre autres à la galerie Arts Plus de Sutton et aux centres d’arts de Frelighsburg et de Dunham. Elle a également participé à plusieurs expositions de groupes, notamment au Musée des Beaux-Arts de Sherbrooke.

Nom de l'artiste : Normand Bleau Titre de l'œuvre : bijou (réversible) Matériaux : Or 14K, argent sterling, turquoise Dimension : 25 mm
www.normandbleaubijoux.com

Je peins depuis toujours et j'approfondis constamment ma démarche artistique, qui consiste à présenter une œuvre contemporaine qui n’est ni statique, ni unidimensionnelle, et qui se prête souvent à la manipulation.

Après avoir fait des études en art plastique, j’ai eu la chance de commencer mon apprentissage de la sculpture sur cire avec Guy Sabourin, l’un des artisans les plus réputés dans ce domaine au Québec. Le métier de modéliste requiert attention et minutie, tout est fait main, il ne laisse que peu de place à l’erreur. Mon travail est plus axé sur la conception que sur le procédé de fabrication.

Jusqu’à tout récemment, comme designer de bijoux et d’objets, je sculptais des pièces sur demande pour des clients, des exclusivités pour la plupart. J’ai créé des pièces originales, notamment pour des détaillants joailliers, des manufacturiers, des artisans du cinéma, des promoteurs de projets particuliers, ainsi que pour le Musée des beaux-arts de Montréal.

J’ai participé au Tour des Arts de Sutton et exposé mes œuvres dans des galeries de la région et dans le Vieux-Montréal. En 2014, mes bijoux ont été en vente à la boutique du Musée national des beaux-arts du Québec. De plus, j’ai diffusé des collections personnelles de bijoux via Internet.

Aujourd’hui, je travaille à la réalisation de mes propres collections de bijoux. Je fusionne mes deux passions, la peinture et les bijoux, en expérimentant le mouvement et la manipulation.

Nom de l'artiste : Normand Bleau Titre de l'œuvre : bijou ( réversible) Matériaux : turquoise, argent
www.normandbleaubijoux.com

Je peins depuis toujours et j'approfondis constamment ma démarche artistique, qui consiste à présenter une œuvre contemporaine qui n’est ni statique, ni unidimensionnelle, et qui se prête souvent à la manipulation.

Après avoir fait des études en art plastique, j’ai eu la chance de commencer mon apprentissage de la sculpture sur cire avec Guy Sabourin, l’un des artisans les plus réputés dans ce domaine au Québec. Le métier de modéliste requiert attention et minutie, tout est fait main, il ne laisse que peu de place à l’erreur. Mon travail est plus axé sur la conception que sur le procédé de fabrication.

Jusqu’à tout récemment, comme designer de bijoux et d’objets, je sculptais des pièces sur demande pour des clients, des exclusivités pour la plupart. J’ai créé des pièces originales, notamment pour des détaillants joailliers, des manufacturiers, des artisans du cinéma, des promoteurs de projets particuliers, ainsi que pour le Musée des beaux-arts de Montréal.

J’ai participé au Tour des Arts de Sutton et exposé mes œuvres dans des galeries de la région et dans le Vieux-Montréal. En 2014, mes bijoux ont été en vente à la boutique du Musée national des beaux-arts du Québec. De plus, j’ai diffusé des collections personnelles de bijoux via Internet.

Aujourd’hui, je travaille à la réalisation de mes propres collections de bijoux. Je fusionne mes deux passions, la peinture et les bijoux, en expérimentant le mouvement et la manipulation.

Nom de l'artiste : Matthieu Cheminée Titre de l'œuvre : "Stampclastic" (bijou) Matériaux : Argent sterling, or 18K et diamant Dimensions : 2,5 cm x 2,5 cm x 1 cm


Site web de l'artiste : matthieucheminee.com

At 19, I moved from Paris to New Mexico, where for seven years I learned Navajo, Hopi and Zuni jewellery techniques. I immediately took to stamping, mostly making concho belts and bracelets. Then I moved to Mali, West-Africa and worked for a few years with Fulani, Touareg and Bambara jewellers. 

In 1999 I settled in Montréal, Canada and continued my studies by attending a jewelry school and learning a more classical part of the trade. Over the years, I have been returning to Africa regularly.

In 2014, Tim McCreight and I created the Toolbox Initiative, a non-profit organization that helps jewellers in West Africa through gifts of donated tools. Since the beginning, I have been stamping and making stamps and have developed a form of stamping design by creating patterns that fill the entire piece of metal. This is called “tessellation”. 

I wrote two books: “Legacy, jewelry techniques of West Africa”, and “The Art of Stamping”, both published at Brynmorgen Press. 

Nom de l'artiste : Matthieu Cheminée Titre de l'œuvre : "Imprint" Matériaux : Argent Sterling Dimensions : 4 cm (largeur)

Site web de l'artiste : matthieucheminee.com

At 19, I moved from Paris to New Mexico, where for seven years I learned Navajo, Hopi and Zuni jewellery techniques. I immediately took to stamping, mostly making concho belts and bracelets. Then I moved to Mali, West-Africa and worked for a few years with Fulani, Touareg and Bambara jewellers. 

In 1999 I settled in Montréal, Canada and continued my studies by attending a jewelry school and learning a more classical part of the trade. Over the years, I have been returning to Africa regularly.

In 2014, Tim McCreight and I created the Toolbox Initiative, a non-profit organization that helps jewellers in West Africa through gifts of donated tools. Since the beginning, I have been stamping and making stamps and have developed a form of stamping design by creating patterns that fill the entire piece of metal. This is called “tessellation”. 

I wrote two books: “Legacy, jewelry techniques of West Africa”, and “The Art of Stamping”, both published at Brynmorgen Press. 

Nom de l'artiste : Michèle Vigeoz Titre de l'œuvre : Pendentif Matériaux : Argent 925, érable « coti »,cuir. Dimensions : 4 cm x 4 cm

Après une carrière comme cadre supérieure dans le réseau de la santé et des services sociaux, Michèle Vigeoz a pu donner libre cours à son amour de l’art et de la création en apprenant les techniques de joaillerie de base avec une professionnelle de la région.

C’est en artisane soucieuse d’explorer et de progresser qu’elle crée des pièces uniques, inspirée par les ressources de la région, comme le bois coti : lorsque l’érable commence à mourir, son bois clair se veine et prend toutes sortes de teintes, du beige au brun foncé, dessinant ainsi de très beaux paysages.

Nom de l'artiste : Michèle Vigeoz Titre de l'œuvre : Pendentif Matériaux : Argent 925, érable « coti »,cuir. Dimensions : 6 cm x 6.7 cm

Après une carrière comme cadre supérieure dans le réseau de la santé et des services sociaux, Michèle Vigeoz a pu donner libre cours à son amour de l’art et de la création en apprenant les techniques de joaillerie de base avec une professionnelle de la région.

C’est en artisane soucieuse d’explorer et de progresser qu’elle crée des pièces uniques, inspirée par les ressources de la région, comme le bois coti : lorsque l’érable commence à mourir, son bois clair se veine et prend toutes sortes de teintes, du beige au brun foncé, dessinant ainsi de très beaux paysages.